The Shack

Pan has a way of clipping our wings and keeping us from being able to fly, and if left unresolved you can almost forget that you were ever created to fly in the first place......When you focus on pain, you lose sight of me.

原著小說《The Shack》是2008年全美最暢銷的小說，僅靠讀者的口碑相傳，即達到銷量超過600萬本，長鋸《紐約時報》文學類暢銷書排行榜冠軍50週。作者William Paul Young雖然一直都有寫作的習慣，可是一直到太太勸說他為6個孩子寫下自己對上帝的看法後，他才決定寫下這一部小說。《The Shack》最初遭到26家出版社拒絕，於是他在好友的協助下，一起成立了一家出版社來出版此書，憑靠著口耳相傳使得銷量持續上揚，並翻譯成50種語言全球銷售。

《The Shack》的故事講述Mack在暑假結束以前，帶著三個孩子到山上露營。在假期快要結束的那一天，為了拯救帆船掉入湖中的大兒子和二女兒，他奮不顧身地放下手邊的工作跳入湖中。當他折返回到岸上時，卻赫然發現原本坐在營地旁邊的小女兒已不知所蹤。在經過地毯式搜索之後，警察在山間一棟小木屋裡發現了小女兒在失蹤那天的紅色洋裝染上了血跡⋯⋯這個故事是以懸疑驚悚的佈局展開，可是當您緩緩地往下一頁翻開時，就會漸漸發現故事背後的中心思想。

曾經好幾度想要放棄閱讀這本書，甚至還以自己的角度對它進行了審判，是強迫症作祟令自己繼續完成了閱讀，放下了成見以後，才驚覺這本書的好看。失蹤案只是這本書的幌子。讀者從來無法得知誰是連環兇手，也不知道所有事情的真相，因為《The Shack》想要帶給讀者的訊息遠遠超過了這些瑣碎的事情，為讀者留下十分深刻的印象。九年之後，改編自小說的同名電影《The Shack》上映，反而會勾起人的好奇心。事實上，《The Shack》很忠於原著，在弱化了懸疑的情節之餘，反而加重了心靈療癒的這一塊。

具有神學濃厚色彩的《The Shack》因為顛覆了傳統信仰的觀念：上帝以黑人婦女的形象現身於平凡人眼前，而耶穌和聖靈分別以木匠及亞裔女子的形象同時出現在上帝左右。他們就像在我們身邊一直眷顧著我們，問題的關鍵取決於您相不相信他們的存在。從狹義的角度來說，上帝、耶穌和聖靈是信徒中的神明，在這個故事中卻成為一種信仰的精神代表。當這些象徵性的信仰變成了具體而真實的個體，相信沒有人會在第一時間敢相信這是事實，故三位一體的神花了很長的時間去證明自己的存在。

You love each person differently because of who they are and the uniqueness that they draw out of you. And the more you know another, the richer the colors of that relationship. 

當人與人之間產生了信任，他們之間就會建立起一座可以溝通的橋樑。因此，上帝便開始對Mack進行心靈治療。要治療跟不治之症一樣的心疾就必須根治，因此「小屋」這個曾經的兇案現場便成為了心靈之旅的起步點。在三神一位的協助下，這間早已成為陰影的小屋，反而變成一間充滿溫暖、氣氛和諧的家，一個看似天堂的地方。在Mack選擇相信三神一位的存在時，耶穌引導他走進一個山洞裡，「智慧」在那裏等待他的到來，接著便開始了一些盤問。

Most emotions are responses to perception-what you think is true about a given situation. If your perception is false, then your emotional response to it will be false too. So check your perceptions, and beyond that check the truthfulness of your paradigms-what you believe. Just because you believe something firmly doesn't make it true. Be willing to reexamine what you believe.

Mack與「智慧」之間的對話可以說是全片最精彩的劇情。「智慧」要他坐在公正的椅子上對上帝進行審判，對善與惡作出判決，對人類的自私行為作辯解，並一針見血地挖出他的傷疤。跟上帝的方式不同，「智慧」非但沒有循循善誘，「審判」更是顯得咄咄逼人，卻是當頭捧喝敲醒了他。人類總是自以為是地認為自己是對的，當雙方都堅持自己的立場時，誤解便會引致衝突和紛爭。人們總是在遭遇到苦難的時候，就不由自主地批判上帝，把人世間的禍害、戰爭、罪惡等責任都歸咎於上帝。

這樣的行為是否還是我們口中所說的公平？難道我們只會怨天尤人，不付出任何努力就渴望他人的救贖？真正的公平應該是走出自己的成見，嘗試以他人的視角去分析整件事，接著才理性地作出回應。Mack在痛苦的抉擇中總算領悟了一切。然而，上帝給予他最大的考驗是寬恕敵人、放下仇恨。仇恨是一種對自己內心的折磨，長久之後會矇蔽自己的雙眼，把自己永久的孤立在光明無法接觸的陰霾之中。這很艱難，就如化身成父親的上帝所說的，可是唯有學習原諒，才可以從綑綁中釋放自己，也才能從深淵中找到曙光救贖自己。

凡人常責怪上天為何讓自己遭受苦難，卻忘了讓自己身陷囹圄的其實是自己。無論是眷戀過去還是害怕回憶過去，學會放下都是每個人都必須面對的決定，也是每個人必須學習的必修課。當人們懂得活在當下，既可珍惜過去，也可好好把握現在，讓自己面對現實的未來。根據作者，故事中的「The Shack」是我們隱藏秘密以及痛苦的地方，愈是盲目逃避愈是容易迷失。黑影的另一邊就是光明。在被掩蓋的虛假外表崩塌之前，我們需要回到那裡尋找痛苦的根源，這樣才能找到方法癒合傷口，讓自己重新站立起來。在生活的低潮之中，信仰可以為我們帶來期盼和幫助，讓我們一起度過難關。

Don't forget that in the midst of all your pain and heartache, you are surrounded by beauty, the wonder of creation, art, your music and culture, the sounds of laughter and love, of whispered hopes and celebrations, of new life and transformation, of reconciliation and forgiveness.

Zemletryasenie / The Earthquake / 亞美尼亞大地震

To be alone is a disaster. And we are together.

《Earthquake (亞美尼亞大地震)》由曾經執導過《The Guardians (守護者聯盟)》及其他科幻動作片的亞美尼亞導演Sarik Andreasyan操刀。年僅30出頭的他目前是俄羅斯電影票房排名前三高的導演，還曾與加拿大電影公司合作拍過電影。這一次，擅長特效和場面調度的導演不打英雄牌，改以改編自真實事件的災難片上場。亞美尼亞和俄羅斯合資拍攝《Earthquake》，代表亞美尼亞角逐2017年奧斯卡最佳外語片的獎項，可是最終卻被美國電影藝術與科學學院以不符合選送標準而取消資格。

1988年12月底，亞美尼亞共和國剛和亞塞拜然的戰爭剛剛敲響。同年12月7日，在當地時間11時41分，境內又發生了6.9級的大地震。這場地震釋放的能量相等於1945年廣島原子彈的十倍，把兩座城市列寧納坎和斯皮塔克化為廢墟，造成經濟損失約100億盧布。全市有超過80%的建築物被摧毀，80多個村莊從地表上從此消失，死亡人數多達100,000人，受災人數高達100萬人。這場戰爭是蘇聯歷史上最大規模接受國際援助的一次災難事件。在1991年蘇聯解體之後，亞美尼亞隨後正式獨立。

相對而言，亞美尼亞的《Earthquake》在劇情編排上沒有好萊塢式災難片的慣有格式，選取一個角色或一個家庭作為這個故事的重心，反而是選擇了簡單地勾勒出幾位主要人物。這場毀滅性的大地震在片中只發生了6分鐘左右，就像發生於現實中的天災可以在一瞬間摧毀眼前所熟悉的一切。天崩地裂之後的世界會變成怎樣？這是故事著重描繪的重點，將劇情切分成災後的四日，接著再平實地敘述出人們在受到嚴重創傷以後的生活。片中的畫面幾乎都是儘量還原了真實的歷史場景，包括躺在瓦礫殘骸之中的屍體和穿梭在人群中的蘇聯大兵。

雖然導演試圖利用來自不同階層的角色的各個角度，以多線敘述的方式去敘述一場世紀大災難，可惜無法掌握好結構的緊密性，以致故事變得有點鬆散，偶爾還會脫序。過於單薄的角色背景無法讓人在短時間內熟悉這些人物在災前的內心世界，因而不會對他們在災後的經歷產生太大的期待。或許這就是現實。人們往往在經歷過大劫難以後，才開始學會珍惜家人和自己的生命。值得關注的是，在毀天滅地的地震停止之後，有些人會自發性地加入救援行動——不管是倖存者還是來自其他城市，甚至來自外國的救援人員，都參與了救援的工作，將發自內心的關懷付諸於行動。

人禍通常是人為疏忽而造成的傷害和損失。火山爆發、洪水泛濫、旱災、海嘯、地震⋯⋯這些天災卻往往是凡人所無法避免的災害。即使人類不斷地研發出高科技產品，可是我們始終不能跳脫自然的規律，包括自然的災害和死亡；甚至還有人對天災詮釋成天災是大自然對人類的報復。在毫無預警下就爆發的大自然面前，人類顯得尤其渺小。好在上天在創造人類的時候，賦予了我們思考力和意志力。因此，我們才會對大自然心存敬畏，隨時傾聽大自然對我們的忠告，即時作出反省和思考。因此，我們才會在危急關頭本能地逃生，從心底迸發出對生命延續的渴望。即使房屋全部倒塌了，人類頑強的意志力還是使我們站了起來，就像火車站的大鐘一樣繼續跟著生命走動。

P.S. 電影的配樂很好聽

Dunkirk

Hope is weapon. Survival is victory.

敦克爾克戰役又稱敦克爾克大撤退，發生在法國東北部邊境的敦克爾克海灘，是第二次世界大戰時最著名的戰役之一，亦是歐洲歷史上最大規模的戰略性撤退行動。在一戰戰敗的德國，自希特勒主政後非但不理會凡爾賽條約，反而積極整軍經武。1939年，德軍在希特勒的帶領下閃電進攻波蘭，造成第二次世界大戰爆發。歐洲兩大巨頭——英國和法國先後對德國選戰，並以聯軍的姿態歇手對抗德國。1940年5月，銳不可當的德軍繞過法國引以為傲的馬其諾防線，取道比利時再進攻法國北部，將40萬英法聯軍逼退至敦克爾克海灘，準備一舉殲滅。正當英法聯軍遭到圍困的時刻，當時的英國首相邱吉爾擬定「發電機行動」撤退計畫，決定將一批軍隊撤回英國。這個撤退計畫共動員了800多艘各式民用船隻，將英國部隊接駁上船、逃離出敦克爾克。

「發電機行動」最初並不順利。德軍為了阻止英法聯軍撤退，派出了戰鬥機不停轟炸敦克爾克地區。與此同時，負責運載部隊撤離出的英國皇家海軍船艦無法靠近敦克爾克海灘淺灘，只能靠淺談登陸艇來回接駁，首日成功撤離近3萬人，隔日卻只撤出7千人左右。根據英國海軍評估，在天氣惡劣及德軍不斷轟炸的條件下，要將30多萬人安全撤離需要30至49天的時間。因此，英國才緊急向民間徵集遊艇、貨船和漁船等航行到敦克爾克，同時動用了空軍和海軍作戰部隊全力護航，場面十分壯觀。直至6月4日，為期九天的大撤退成功把34萬官兵撤退至英國，為日後的戰略反攻保留了一批軍力。敦克爾克大撤退不僅是一次成功的戰略，更在撤退的過程中展現出堅強不屈的堅定意志，在英國歷史上極具意義。

電影跟作文一樣，是一件有系統和計劃的組合工程，如同依照藍圖來建造房屋一樣。在審題以前，須要確切地了解題目的含義，並把握住重點及中心主旨。首次指導二戰題材的Christopher Nolan，毫不不拖泥帶水地以一個英國士兵的視角揭開了電影的序幕，乾淨俐落地直奔主題。接著，劇本又以懸疑驚悚的口吻講述了這個戰爭故事，透過理性、安靜和寫實的風格呈現出不一樣的戰爭電影。《Dunkirk》目前為止在Rotten Tomatoes累積了93%的高分，在IMDb及Metacritic分別獲得8.6/10和94%高分。影評人Nick De Semlyen在《Empire》評論道：「A spare, propulsive, ever-intensifying combat thriller, Nolan's history lesson is both a rousing celebration of solidarity and the tensest beach-set film since Jaws」。Christopher Nolan憑著此片又再一次證明了自己的導演實力。

《Dunkirk》甫開場就直接進入了故事的主題，配樂可謂是幕後最大的功臣，讓此片錦上添花。電影利用一個英國士兵在逃跑的腳步聲，和配樂大師Hans Zimmer的懷錶時鐘滴答聲交織而成第一篇樂章，成功營造了緊張而焦慮的氛圍。將時鐘的滴答聲放進了配樂中，藉此製造出分秒必爭的戰爭之中，生死存亡其實是一種時間倒數的壓迫。Hans Zimmer此次放棄了氣勢磅礴的音樂，改用了相對比較內斂而強烈的節奏，幫助製造出箭在弦上的恐懼心境以及一觸即發的恐怖情境——音樂那份強大的渲染力代替了對白，使觀眾看得精神緊繃且不安。坐在IMax影院裡更能深切地感受到逼真的槍擊聲和屏息聲，音效非常棒！《Dunkirk》的另一個特點是電影的拍攝技術：採用了IMAX攝影機拍攝了75%的片段，呈現出宏偉壯觀的大規模戰爭場面和視覺效果；剩下的25%則是使用70mm或65mm大型膠片拍攝，讓這部史詩片打破了好萊塢電影創作的紀錄。

慣用非線性敘事手法來講故事的Christopher Nolan，在電影中就以關鍵性的字幕提示這個劇本將會分成三條故事線，分別為「The Mole/1 week」、「The Sea/1 Day」及「The Air/1 Hour」。這三條支線以陸地、海洋、空中三個場景和三個主要角色同時進行，卻以畫面影像不斷交錯更迭。「敦克爾克大撤退行動」其實就是此片的主角，圍繞它的這三條支線是塑造主角個性和推動劇情發展的關鍵。「The Mole」、「The Sea」及「The Air」最終又在故事尾聲抓住時機，於同一個時間點交接重疊，讓原本平面的故事產生更多的變化和模式，並讓平敘直述的故事在場景不停轉換的時刻，增加更多段落之間的緊湊感和緊密性。除此之外，觀眾也可以從Tommy的視角看見英法聯軍被圍困在海灘時四面楚歌的境地；從Mr Dawson這樣一個英國人民的視角看見海面上多次發生的敵軍突襲和英軍跳海求生的情況；從空軍Farrier的觀點看到蓄勢待發的空中決戰，以及俯視看見驅逐艦被一一擊沈、英法聯軍繼續被圍困在海岸邊被轟炸的慘況。

不用太多對白和言語，一部電影、幾幕畫面讓我們可以從海、陸、空三個場景看到了戰爭的殘酷以及戰爭背後的人性善惡。在沒有太刻意塑造每一個角色的前提下，觀眾或許無法理解這些角色背後的故事和思維，卻真切地表現出在殘酷的戰爭中沒有真正的個人英雄，而是各位掙扎生存的無名氏；就如導演無需放入血肉四濺和子彈橫飛的鏡頭去渲染戰爭的可怖。一直以來，人們印象中的戰爭都是歌頌軍隊的強大和士兵的勇敢。像是Farrier、Mr Dawson和Commander Bolton這些具有愛國情操、不避斧鉞的忠臣烈士雖然大有人在，可是更多是像Tommy、Alex、Gibson、顫抖的無名士兵。在炮火連天之時，有人因為害怕死亡的威脅而四處逃跑、有人因為受到炸彈的攻擊而情緒崩潰、有人因為持續的殺人和被殺而變得麻木不仁。Tommy、Alex和Gibson的舉止行為看似膽小和自私，其實這都是戰爭發生時的人之常情，至少他們內心仍舊存有一絲善念，在危急關頭都會捨身救人。

據稱在第二次世界大戰時期，美國和英國分別有大約五萬人和十萬人做了逃兵。這些逃兵有的返鄉匿藏起來，有的偏離正軌投入黑市，有的長期生存在戰爭的痛苦之中。曾為逃兵發聲的人認為，士兵在戰爭期間終日受到死亡的威脅，基本生活條件極差以及十分缺乏睡眠，在身心上都遭受到嚴重的傷害，甚至對明日的命運感到恐慌。站在最前線的軍人，比平常人面對更多的死亡、經歷過更殘酷的現實世界，因此在每一次開戰攻擊時都更加能深刻感受到生命的可貴。另一邊廂，被英國政府徵召而參與「發電機行動」的平民百姓，乘搭著各自的遊艇、貨船和漁船等共800多艘民船，冒著生命危險游到英吉利海峽的對岸，前往戰爭最前線營救受困多時的軍兵。在近代的戰爭歷史中，一般百姓通常很難有機會可以做出貢獻。然而，百姓在這一次的救援行動中成功拯救了無數個生命。在天時地利人和的配合之下，完成了一項幾乎是不可能的任務！這個史無前例的救援大行動感動人心之餘，還激勵了所有英國人民，更為日後的戰爭帶來了轉機。

當時剛上任不久的英國首相邱吉爾，在「發電機行動」結束之後發表了演說：「We shall defend our island whatever the cost may be. We shall fight on the beaches, we shall fight on the landing grounds, we shall fight in the fields and in the streets, we shall fight in the hills. We shall never surrender」。電影中這段著名的演說是以口述的方式將報紙的文字換作一句台詞：「We must be careful not to assign to this deliverance the attributes of a victory. Wars are not won by evacuations (戰爭不是靠撤退取勝的)」。這番話充分地展現出英國並未在歐陸戰場上失利而垂頭喪志，反而讓全國人民上下一心，在敵愾同仇下共同擁有一顆想要戰勝敵軍的堅決之心。敦克爾克大撤退不僅僅是「miracle of deliverance」，它更展現了人類在逆境下不輕易低頭的堅毅精神。生命的價值在於奮鬥，只要奮鬥到底就能夠克服逆境，最終能夠在逆境中創造出奇蹟。這是一個永恆的道理：人才是奇蹟真正的創造者，只要堅信就會有奇蹟！

Baby Driver

He had an accident when he was a kid. Still has a hum in the drum. Plays music to drown it out. And that's what makes him the best.

一個簡單乏味而毫無新意的故事或許是製作一部電影的致命點。然而，只要您懂得將缺點巧妙地轉為優點，索然無味的故事也可以變得妙趣橫生。其實電影的隱喻愈是淺顯直接——即使只是簡單的場景設計和人物角色，愈是能直抵人心。從《Shaun of the Dead》、《Hot Fuzz》到《The World's End》，英國導演Edgar Wright在「Three Flavours Cornetto trilogy」中讓世人看見了他獨樹一幟的指導風格。儘管這位導演在講故事方面沒有太多高深莫測的哲理，他卻能以不同的視角、不同的語調、不同的風格完成不一樣的作品，為觀眾帶來純粹的歡樂、快感和新奇。Edgar Wright的名字在電影界裡已成為了佳作的標記之一。

《Baby Driver》本來就是一個很典型平庸的犯罪電影，劇情講述一個張著娃娃臉的年輕人，擁有飆車的天賦而被犯罪集團僱用作車手。他因為小時候發生車禍意外而患有耳鳴，須要依靠電子樂來輔助轉移注意力。當他在街邊遇到心儀的女生以後，愛情使他萌生了抽身而退的想法。然而，在犯罪集團的威懾下，他只能在幹最後一次交易，才能回到愛情身邊。這樣的故事其實大家都已經耳熟能詳，甚至還有重複的性質。可是，《Baby Driver》依舊超越了許多同類型的電影，上映至今仍是好評如潮，分別在IMDb電影網站中累積獲得了8.3/10的分數、在Metacritic獲得86%的評分，同時還在Rotten Tomatoes獲得了94%高分，晉身高分電影之列。

無論是專業影評人還是買票入場的電影觀眾都一致給了《Baby Driver》極高的評價。連大作家Stephen King也在Tweeter上發表了這樣的評論：「I saw BABY DRIVER this afternoon with a bunch of my friends. We hollered and clapped. It’s that kind of movie. Ultimately cool」；甚至是隔壁廳也有電影上映的大導演Christopher Nolan，也特別指名說他喜歡Edgar Wright的新作。著名影評人Stephanie Zacharek在《時代雜誌》對此片的評論是「Baby Driver is also, of course, an action thriller. Wright has orchestrated every swerve and near smashup—and one glorious foot chase—with precision, a rarity in action filmmaking these days」。類似的評語是多不勝數。

是什麼因素讓《Baby Driver》在票房和口碑上名利雙收？原因真的有很多，其一是導演的個人風格，即是早已成為Edgar Wright註冊商標的英式幽默和視覺系影像風格。導演的作品以喜劇著稱，英式腔調的黑色幽默往往有別於好萊塢式的低俗喜劇。各種奇思妙想會製造出許多突發奇來的意外驚喜，讓平庸的故事能夠從創新的思路中脫穎而出。快速的特寫鏡頭剪接可謂是導演的另一個招牌標誌。特寫鏡頭搭配音效可以製造出緊湊、快速、焦慮的氣氛，在導演處理的影像中，這些特點又可以變為幽默感，增加更多的笑點和效果。作為一部飆車電影，此片不乏許多特寫鏡頭，藉以表現出猛踩油門的急速和刺激。一個簡單的故事在融合了音樂、犯罪、塞車、動作、冒險、愛情、暴力等等元素，就這樣產生了最棒的化學反應！

其二是演員和角色。《Baby Driver》的故事主要圍繞在兩位新生代演員Ansel Elgort及Lily James的身上。雖然兩人在戲外的實際年齡相差大約5歲，可是兩人站在一起的畫面沒有違和感，並且還擦出了火花。電影另一個大賣點是兩位影帝Kevin Spacey和Jamie Foxx，以及視帝Jon Hamm的同場飆戲。演慣了狡詐總統的Kevin Spacey，這次飾演幕後大老闆可以說是得心應手，在電影前段發揮了演技派影星的效應；在中段出場的Jamie Foxx，把神經質的盜竊老手Bats演得入木三分，他的咄咄逼人和瘋狂舉動是為劇情製造刺激感的源動力；以帥哥紳士造型出場的Buddy在Darling的壯烈犧牲後，他的個性突然來個180度轉變——從紳士變成了瘋漢，Jon Hamm的演技大爆發，撐起了整部電影的後段。簡單的人物架構更能凸顯角色的個性、形象和特點，從而使得故事更生動和豐富。

其三是音樂。音樂是整部電影的靈魂，幾乎佔據了此片的大多數。有別於音樂在傳統電影的地位，《Baby Driver》的音樂不是輔助故事往前推進的工具，反而是喧賓奪主地成為這部非歌舞片的主軸。30多首歌曲串聯成一首交響曲，歌聲和鼓聲此起彼落，而且交替不斷。劇情完全依照歌單的次序展開和發展，故事的節奏是按照電子樂的節拍進行著，故事的情緒也是透過歌曲和歌詞來詮釋。從來沒有一部電影能像《Baby Driver》一樣，讓音樂和劇情從頭到尾都緊密地交扣在一起，每一個動作都精密地點擊在每一個節拍上，就像一位歌手在舞台上挑戰高難度的歌曲時，他所唱出的每個音都能達到最完美的音準上；即興演唱的旋律也可以渲染在座的每一位觀眾，令人忍不住隨著音樂搖擺身體，熱情的音符使人血脈賁張。

電影的第一首歌曲已經奠定了此片的特殊風格。片頭的第一宗搶劫案搭配了The Jon Spencer Blues Explosion的《Bellbottoms》，6分鐘內間中沒有一句對白亦沒有半分冷場，只是一味地隨著搖滾樂的前奏數著拍子，就像你我在等待紅綠燈時，跟著電台節目播放的某一首歌在車中盡情搖擺。當歌曲進入主旋律之後，一聲砰響就展開了一場刺激而有趣的追逐戲。觀眾跟著疾速的引擎聲穿梭在高速大道和各條街道之間。由始至終，音樂和劇情之間是環環相扣地同步進行。這個故事情節可以追溯到2002年的《Blue Song》MV，該MV的導演正是Edgar Wright本人。簡單來說，就是Edgar Wright抄襲了自己在15年前的作品，並把它延伸為一個超長的音樂錄音帶。

電影選用的第二首歌曲是《Harlem Shuffle》。導演運用了長鏡頭紀錄了Baby在打劫完以後，從老巢徒步到咖啡廳買咖啡，3分鐘的路程剛好是一首歌的時間。輕快而淘氣的旋律和Baby的步伐幾乎吻合，途中遇到的路人甲乙丙丁都在做著現實中每一個平凡人都在日常生活中做著的雜碎小事。Baby身後的塗鴉牆多少都隱藏了一些有趣的訊息。唯有擦身而過的Debora能夠讓他從音樂中暫時抽身而出。第三首歌曲《Egyptian Reggae》是犯罪集團幕後老闆在數錢和平分賊贓時奏起的輕快樂章。《Unsquare Dance》是Doc的犯罪計畫。即興創作的混音音樂《Was He Slow?》表現出了Baby的音樂天賦。The Beach Boys的迷幻小調《Let’s Go Away For Awhile》 是Baby和Debora在餐廳裏第一次面對面對話的音樂，借題發揮出少年少女情竇初開的微妙感覺。

在夕陽西下之刻，Baby站在遠處望著曾經藏有屍體的轎車被壓扁得不留痕跡——The Commodores的《Easy》是Baby對於簡單生活的一種渴望的心情投射。Baby和Debora在自動洗衣店裡談情時，兩個人的身體因為一首《Debora》而彼此靠攏，他們的雙腳在地板上敲出節拍，身後的洗衣機隨著音樂轉動，整個畫面是如此和諧和甜蜜。這首歌亦是Baby送給Debora的專屬歌曲。當劇情回到刺激的槍戰時，《Tequila》隨著子彈槍聲此起彼落，重重地敲打在每一個節拍之上，讓人看得大呼過癮。《Hocus Pocus》的每一個音符都是Baby為了逃脫警察的追捕而奔跑的腳步。《Nowhere to Run》是Buddy給予Baby的忠告。《Never, Never Gonna Give Ya Up》是Baby告訴自己不要輕言放棄的勉勵之歌。

最後，還有什麼金曲能取代Simon & Garfunkel的《Baby Driver》作為終結故事的主題曲？從民謠到情歌、從搖滾小品到重金屬音樂、由嘻哈音樂到電子樂，Edgar Wright的歌單混搭出新玩意。當然，除了這些歌曲之外，導演也透過角色之間的對白，彰顯出音樂的無所不在，甚至還有音樂對於生活的影響。像是平常沈默寡言的Baby可以跟路人聊起Dolly Parton的歌曲——導演藉此向美國鄉村音樂女王致敬。Buddy和Baby因為一首Queen的歌曲而拉近了彼此的關係。Darling不經意說出的一句「This shit is banana's」會讓人聯想起《Hollaback Girl》。或許，有人會像Debora一樣在歌曲中找尋自己的名字；也有人像Bats一樣會因為廣播電臺播放著的某一首歌而影響當日的心情。生活中一些雞毛蒜皮的小事都被音樂滲透靈魂的深處。

《Baby Driver》裡的每一首歌曲其實就是Baby的iPod裡所播放的音樂。當電影開場以後，我們便成為了Baby的那雙「耳朵」，和他一起聽著同一首歌曲，真切地聆聽他隱藏在這首歌背後的情緒。讓Baby因為意外而造成耳鳴症狀是一個很好的設計安排：除了他終日戴上耳機聽iPod的理由變得純粹之外，也直接加強了音樂對於人類生活的重要性。正因為聽覺障礙的關係，他與失聰的養父反而更能夠用心去感受震動的音樂，同時更能夠用心去跟對方作溝通。儘管聽力沒有任何障礙，一般人通常會較易欣賞一個滔滔不絕的說話高手，也忽略了懂得聆聽的人。傾聽是一種尊重，也是在溝通交流中的智慧。心與心之間的溝通需要彼此的誠意，真誠的態度才能換取他人的真心。否則，沒有人願意把心敞開給一個不懂得尊重的人。

當您認為這個故事終究會以有情人終成眷屬的結尾收場時，導演偏偏不依照傳統飆車電影的套路，在臨門一腳遇到埋伏已久的警察圍捕。在所有壞人都陸續慘死以後，Baby也坦然面對了司法的制裁，為自己所犯下的錯誤承擔責任。有人說：「寧願做一個做好事的壞蛋，也不願做一個無法做半件壞事的好人」。因為這個世界沒有完美的人，所以瑕疵反而成為了另一種美。Baby曾幻想自己有一天能夠載著自己心愛的人到一個沒有終點的目的地，可是那個幻想中的夢境卻是黑白的⋯⋯因為大多數的夢都是黑白的。當同樣的場景發生在Baby出獄後的現實中，我們赫然發現這個現實的重逢才是充滿色彩的。

Spider-Man: Homecoming

Spider-Man: Homecoming

If you're nothing without the suit, then you shouldn't have it.

2002年上映的《Spider-Man》在票房和評價上都獲得相當大的成功，全球累計票房達到8.21億美元，順勢成為當年的世界電影票房季軍，也衍生出兩部續集電影。2012年，電影公司決定重啓「蜘蛛俠」系列電影，推出了《The Amazing Spider-Man》，可惜評價皆差強人意，票房結果不如預期好，電影公司只好取消了所有續集的計畫。當Marvel電影宇宙系列電影一部接著一部上映，並且取得空前絕後的成功之時，Sony電影公司在局勢所迫下，終於決定與Marvel工作室攜手合作，讓Spider-Man加盟原本就應該屬於他的隊伍Avengers，率先在2016年上映的《Captain America: Civil War》現身，令人驚喜不已。接著，Sony和Marvel繼續致力於製作全新系列的Spider-Man電影。

從最初的Tobey Maguire再到Andrew Russell Garfield，Spider-Man的棒子最終交到Tom Holland的手上。在這15年內大螢幕上共出現了3個版本的「Spider-Man」，可謂Marvel作品中重啓次數最頻繁的一個超級英雄電影。在兩部前作的鋪墊下，新導演Jon Watts顯然不想再次重複觀眾早已熟悉不過的老梗，因此新版「Spider-Man」中不會再出現Peter Parker被變異蜘蛛咬傷後獲得超級能力，以及Uncle Ben在一場搶劫案件中遭人殺害的故事情節。為了彌補Spider-Man之前在《Avengers》缺席的戲份、同時也讓新作能夠更快與其他系列電影的故事接軌，劇組巧妙地把故事起源先安排在《Avengers: Age of Ultron》的事件發生之後，接著再跳躍式的把新Spider-Man正式登場的時間點設定在「英雄內戰」結束之後。

重啓的《Spider-Man: Homecoming》為自己的風格重新定位，將這個平民超級英雄打造成了一個更貼近生活現實的英雄故事，先是像是一部校園青春電影，然後再逐漸轉變成少年在身理和心理上的成長故事。無論在年齡、外型和角色塑造上，Tom Holland扮演的新版Spider-Man很有說服力，似乎也更接近原著漫畫形象。他在整部電影中的演出表現很不俗，既成功演繹了一個面對青少年問題的少男，也詮釋出了一個少年蛻變成英雄的心理轉變。繼幾年前的《The Impossible》以後，Tom Holland又交出了另一個好成績，這個小演員可說是前途無量。只是指導過兩部小品電影的Jon Watts是幕後功臣，在某個程度上成功拍出了平凡人的不平凡故事。

《Spider-Man: Homecoming》或許並沒有為觀眾帶來太大的驚喜，可是就整體而言還是拍出了一部很用心的作品，故事發展流暢而且有邏輯性。更重要的是這部作品偏向忠實於漫畫原著的故事情節，還有隱藏了許多向原著漫畫和電影前作致敬的小細節，又在某些設定增添了新穎的想法設計來製造一點新鮮感。就如鋼鐵俠盔甲般的蜘蛛俠新戰衣；Spider-Man的初戀對象換成了Liz；Aunt May從一個老阿姨變成了一個辣嬸；反派角色Adrian Toomes也更趨向現實和人性化。這一次，Spider-Man回歸Avengers聯盟的決定，令蜘蛛俠的故事開啟了更多的可能性。在片頭，Peter Parker利用手機自拍自己參與英雄內戰的實況，也讓觀眾能夠以另一個角度去重溫這個戰役的「實況場面」，從而塑造出這個年輕蜘蛛俠的活潑和好動性格。這個個性是牽引整個故事發展的關鍵。

Iron Man的登場絕對是《Spider-Man: Homecoming》的最大賣點。他的存在既可以銜接「英雄內戰」與「蜘蛛俠」兩個故事之間的關係密切度，又可以為這部新版蜘蛛俠帶來票房效益，簡直是一舉兩得。招募Spider-Man加入戰鬥的Iron Man，順其自然地成為了前者的人生導師，而助理Happy則變成了另一位像是父親身分般的監護人。與此同時，Iron Man和Happy的出鏡篇幅在經過巧妙地安排下，對劇情發展產生了正面的推波助瀾，讓故事的中心一直落在Spider-Man的身上，不至於另此片淪為「Iron Man」番外篇。如果說Robert John Downey Jr.的客串性演出是一個驚喜，那麼Michael Keaton的加盟演出就是一個亮點。作為Spider-Man對抗的首個敵人，Vulture首次在大螢幕上登場。在第3次重啓的Spider-Man電影中選擇了Vulture作為這次的反派人物是很有意思的安排。

眾所周知，Michael Keaton最廣為人知的電影角色便是DC的超級英雄蝙蝠俠。2014年回歸好萊塢出演當年的最佳影片《Birdman》，他也憑此片在各大影展中獲獎無數，唯與奧斯卡獎擦肩而過。從「Batman」到「Birdman」，再到現在的「Vulture」，Michael Keaton似乎和有飛翼的電影角色扯上了很深一層的關係。《Birdman》真是他的最佳寫照，在戲內戲外的身分不斷重疊，增加了更多的趣味性和話題性。Michael Keaton在此片的演出很到位、也很搶眼。草根出身的Adrian Toomes在社會邊緣掙扎生存之後依舊失去了一切，這樣的打擊導致他轉變為反派角色的理由，確實可以讓人理解和同情。這比上一次重啟版的超級反派Electro，更容易產生共鳴感。導演Jon Watts的初衷就是要將Adrian Toomes變身的Vulture塑造成一個不同於漫威電影宇宙裡的其他反派，一切從簡由人性出發，讓一群平凡的人成為超級反派，與平凡的超級英雄相互抗衡。

這個世界上的每一個人都有自己的人生定位和社會定位，在不同的階段都有各自需要承擔的責任，不應該是受迫於壓力或某種緣由而不得不這樣。「With great power comes great responsibility」由始至終都是貫徹這個超級英雄故事的中心思想。這句話不再只是Peter Parker對於Uncle Ben的承諾和內疚，反而已成為牢記在他心中的座右銘，鞭笞他成為一個願意承擔社會責任的平民英雄。心靈成長後的Spider-Man，已經從第一層次的「對別人負責」提升至第二個層次的「對自己負責」，願意接受和面對因為自己的行為所造成的結果負責，這樣才讓他擁有強大的力量。假如一個人需要依賴面具和戰衣才能戰鬥，那麼他或她未免太小看自己的能力了。因為在面對困境的時候，我們更可以發掘出潛伏在體內的力量，而人類所能承受的力量可以比想像中更強韌。

The Mummy

Welcome to a new world of gods and monsters.

在面對著Walt Disney的《Star Wars》、Disney與Marvel Studio合作的Marvel電影宇宙系列電影、華納兄弟及DC聯合出品的DC拓展宇宙系列電影的雙面夾攻下，環球影業正式啟動「Dark Universal」作出反擊。早在上世紀20年代，電影公司就已經推出過「Universal Monsters」一系列鬼怪電影，如《The Phantom of The Opera》、 《Frankenstein》、《Dracula》、《The Wolf-Man》、《The Mummy》、《Creature from the Black Lagoon》等等，都是改編自小說或舞台劇的暗黑風格電影。

「Dark Universal」基本上是「Universal Monsters」的重啓版本，預想計劃在電影業中創造另一股新勢力，藉此挑戰「正義聯盟」和「復仇者聯盟」等超級英雄電影勢力。首先，環球電影便決定從舊影庫裡尋找靈感，重拍曾經創下輝煌歷史的電影作品，包括Tom Cruise的《The Mummy》、Johnny Depp 的《The Invisible Man》、Javier Bardem的《The Bride of Frankenstein》等等，都是以原著小說為藍本，再以經典電影作為基礎的重拍之作。《The Mummy》系列在90年代已經嘗試過一次重啟，成為Universal Monsters的代表作，並延伸出後來的兩個續集。

作為暗黑宇宙系列電影的首部作品，再次被重啟的《The Mummy》身負重任，邀請了Tom Cruise和Russell Crowe搭檔出演此片。重啟版電影在故事上做了新更動，把前面的故事歷史背景提早到更久遠的5千多年前，又把後面的故事場景設定在具有爭議性的伊拉克，再慢慢轉移到也有逾千年歷史的倫敦。在電腦特技愈來愈成熟以後，這個以木乃伊和詛咒作為素材的暗黑電影，出現了更多引人入勝和歎為觀止的特效場面，真實和立體的實際效果可以讓人擁有「be part of movie」的感官體驗。

一般上，盜墓電影的重點不在於盜，而是追尋歷史真相的過程，挖掘歷史不為人知的一面來滿足觀眾的獵奇心理，並利用墓穴探險的劇情來渲染恐怖氛圍和製造高潮點。《The Mummy》在整體上卻少了盜墓元素，跟舊作比較起來更是存有一種換湯不換藥的感覺。影片一開始的爆破、追逐和槍戰場面所佔據的篇幅不短，因此很容易讓人產生進錯影棚的錯覺，跟預期中的故事顯得有點格格不入，給人感覺就是可有可無的伏筆。當土樓在空襲後倒塌而露出一個深洞時，劇情才開始漸入佳境，可是節奏有少許鬆散，主題訊息愈來愈多而變得雜亂，恐怖氛圍在Ahmanet吸取人類精力而回復人形後滿滿停止。

Tom Cruise雖然很努力表現自己，卻始終無法擺脫伴隨多年的偶像形象。電影男女主角Nick Morton和Jenny Halsey之間的互動應該是推進劇情發展的關鍵之一，可惜他們之間的合作卻無法擦出火花，導致後來男主角為了拯救女主角而犧牲自己兩次的編排欠缺了說服力。以Cross Over姿態出現在劇中的Dr. Henry Jekyll，對劇情沒有太多實際作用，總是缺席在重要情節中，卻很符合「Dark Universal」想要塑造的暗黑角色形象。在各種條件下，Sofia Boutella所飾演的Ahmanet成為片中的亮點，是整個故事塑造得最飽滿又最豐富的角色，牽引著故事的發展和觀眾的情緒。她身上所散發的個人魅力完全蓋過了Annabelle Frances。

研究歷史離不開史料，包括實物史料及文獻史料，是研究歷史最基礎的東西。堪稱曠世奇觀的兵馬俑是歷史學家研究秦始皇陵的實物史料文物，木乃伊則是研究古埃及歷史的特殊史跡遺存，在科學上擁有十分重要的參考價值。同時，披著神祕面紗的古埃及文化也為文學界孕育了許多想法和靈感。木乃伊象徵了古埃及人對生命和死亡的慾望，也是追求永生不朽的渴望，展現出人性貪婪的一面。片中的Ahmanet又展現了人類對於權力或權勢的強烈慾望，導致了人性良知的泯滅，終將為有秩序的世界帶來毀滅性的破壞！

Wonder Woman

I will fight, for those who can not fight for themselves.

《Wonder Woman》是漫畫史上的第一位女性超級英雄，由發明測謊儀的美國心理學家兼作家William Marston於上世紀40年代所創造。《Wonder Woman》故事的起源來自二戰時期的日本偷襲美國珍珠港事件；當時的DC漫畫教育顧問認為漫畫作品應該儘量避免過度的暴力和軍事主義，故決定創作一個顛覆傳統的新超級英雄故事，改由能力十分強大的女性作為英雄人物，改變了戰爭英雄故事一直被男性壟斷的局面。在與妻子的合作下，William Marston把Wonder Woman的女英雄形象刻劃得更細膩、更飽滿。在漫畫面世後，這位以和平、愛和正義而戰的女英雄，成為了女性典範，在漫畫世界或是現實世界都起了巨大的影響力。

作為DC漫畫的首位女性英雄角色，她早已是英雄漫畫史上最具代表性的英雄角色，與超人、蝙蝠俠平起平坐，完全擺脫了女性角色必須是「某超級英雄女友」的身分而存在的理由。可惜的是，當蝙蝠俠和超人的改編電影一次又一次地搬上螢幕之時，身為DC漫畫三巨頭的Wonder Woman只在1974年被改編過一部電視電影，接著電視劇在隔年開拍，令Wonder Woman這個角色大受歡迎，她的女英雄形象早已深入民心。四十年便一晃而過，為了迎戰Marvel宇宙電影，DC Extended Universe毅然決定將Wonder Woman這個角色搬上大螢幕。綜觀DCEU目前所推出的改編電影——由《Men of Steel》到《The Suicide Squad》，有人認為千呼萬喚始出來的《Wonder Woman》是DC電影最出色的一部。

畢竟距離上一部電視劇的年代已久，首次登上大螢幕的「Wonder Woman」需要考量到不同年齡層的觀眾群，因此從新開始介紹這位女性英雄的故事是必然的。在劇本經過幾次轉手後，電影公司最後大膽地把一部投資過億的電影，交給了一位已超過十年沒有獨立執導過一部完整電影的女導演Patty Jenkins。導演的上一部完整電影《Monster》讓Charlize Theron捧走美國奧斯卡、金球獎最佳女主角以及柏林影展影后等等，導演自己也被提名柏林金熊獎。憑藉著對於Wonder Woman的崇敬，再結合了自己多年的執導經驗，Patty Jenkins確實交出了一張非常不錯的成績單：首日票房達到3885萬美元，把同期上映的電影完全比了下去。這位女導演憑著女英雄的故事在世界舞台上證明了自己的能力。

Patty Jenkins精準地利用Wonder Woman這個角色，讓故事以女性的視角去探討那個由男性所主宰和壟斷的社會——無論是法庭、議會或是戰場，一戰前的社會普遍存在著婦女受壓迫、剝削的不平等現象。或許這就是劇本刻意將Wonder Woman的時間背景從二戰時期提前至一戰晚期。當國家的男人都被徵兵調上戰場時，女性勞工替代了空缺的勞動力。尤其在英國，越來越多的女性走出了屋簷，踏入軍事工廠、實驗室、工廠、學校等工作單位，總算嚐到有條件的自由。基於在一戰時期對社會所作出的貢獻，自1872年就開始爭取投票權的英國婦女，終於在1918年讓年滿30歲的婦女取得投票的權利並參加國會選舉，社會藉此向前邁進了一步。

《Wonder Woman》強調了這個女英雄身上所象徵的女權主義。自小便在母系社會中成長的Diana，因為半人半神的角色設定而擁有比人類高的智商。在與世隔絕的天堂島，她對於世界的認知幾乎是來自書籍、母后以及Amazon族的傳說。這樣的生活背景也培養出Wonder Woman那純真善良、坦率直接、自立自強、勇猛好戰的個性。在離開天堂島後，新來乍到的Diana眺望著煙霾籠罩的倫敦塔橋時，就忍不住吐槽當時的世界大都市很醜陋。Diana一針見血地批判了人類的婚姻關係，又駁斥人類需要依靠手錶去告訴自己需要做什麼，跟著又嘲諷當時愛打扮的名媛淑女實則為名流社會的花瓶。Diana的性格在整個故事發展中發揮了帶領氣氛的作用；片中幽默風趣的對白明顯比以往的DC電影作品多，一改以往沈穩隱諱的一貫風格，讓電影和角色更平易近人。

從天堂島一路走到倫敦，不食人間煙火的Diana宛如是一位對未來充滿抱負和嚮往的少女，在踏入現實世界時看見了人性的複雜，始終無法了解人類世界的兩面性。善良和邪惡、勇敢與懦弱、忠義和奸佞、光明與黑暗、起源與緣滅......這些對立面之間總會存在灰色地帶，人性的矛盾始終無法從中區分開來。就像Steve在戰爭前線時告訴Diana的事實：我們無法在戰爭中拯救每一個生命，總有人需要犧牲自己。Diana的一意孤行也可被視為浩氣長存。在面對自己與身俱來的使命感之時，她無法接受這些複雜的東西，毅然地拋開了繁瑣的程序、超脫世俗的眼光，堅定不移地選擇了自己的信念。當她從殘磚破瓦中爬上階梯，熟悉的背景音樂此時響起，激起了洶湧澎湃的情緒。她毫不畏懼地衝入第一戰線，瞬間勇悍地把所有敵軍擊退。這一刻，戰場周圍的所有平民都看見了一位願意為自己奮戰的英雄。這幕戲為觀眾留下深刻的印象。

Diana的見義勇為源自人類母性的本能。身在戰場上，她真正地見識到戰爭的可怕，以及這場人為災害所帶來的危害，加強了她自身的信念。另一方面，她也在這個暫時的勝利後，同時還看見了災民發自內心的微笑、鋼琴的優美旋律、夜晚中的溫暖燈火、人類的優雅舞步、男人的溫熱嘴唇，還有冰淇淋的美味......這一切東西讓她發現了凡人的最美麗的人事物。在《Superman vs Batman》便初露頭角的以色列女星Gal Gadot，在不太備受看好的情況下在自己的獨立電影中繼續扮演Wonder Woman。或許Gal Gadot在電影前半段的氣場被兩位演技派女星Robin Wright和Connie Nelson蓋過，可是隨著故事發展的推進，Gal Gadot的氣場逐漸提昇，最終爆發。這一次少了篇幅的限制，角色塑造得更加飽滿和立體，故事敘述得流暢和完整，畫面色彩也漸漸鮮豔和明亮，再加上Gal Gadot的才華、努力、特質和個人魅力，她活靈活現地演活了觀眾心目中的Wonder Woman，驚艷地向世人展現了自己的實力，在世人面前證明了自己。

《Wonder Woman》的故事緊接著上一部DC電影《Superman vs Batman》的故事，然後再透過蝙蝠俠送來的一張照片底片，勾起了Diana的回憶，接著再慢慢細說當年。個人很喜歡這個設定，讓兩個看似沒有關聯的故事接軌，細膩地交待了Diana隱姓埋名前後的心路歷程，以及她決定重出江湖的理由。在幾乎完美無缺的女神面前，身為人類的Steve在整個故事中扮演極其重要的關鍵角色，不屈不饒的他無需Diana的任何保護，能力甚至不輸於任何一位男性超級英雄。正是因為他的戰機掉入了雲霧背後的海域，在平靜的海面上泛起漣漪，才讓人發現了Amazon及天堂島的存在。Diana在天堂島裡為Steve解釋Amazon族人的習俗和使命；可是到了凡人世界，兩人的角色便立即對調，Steve成為了Diana的導遊，告訴她在人類世界中存活的法則、讓她看見凡人心中的良知和真善美；像心靈導師般教會她人生道理、引導她從黑暗中走向光明。Steve這個角色隱喻了人性最純潔的心靈，在混亂齷齪的世界中散發著人性光輝，成為Diana的信念。

人類的兩面性是同時存在的，正如Queen Hippolyta語重心長地說：「You have been my greatest love. Today you become my greatest sadness」。片中還有許多其它充滿寓意和哲理的對白及橋段設計，使得劇本具有前呼後應的效果。當Diana認為倫敦長得非常醜陋時，Steve卻覺得每個人的審美觀念都不同。Dianna最先諷刺的那隻錶卻成為了Steve遺留給她的寶貴禮物，不再是提醒Steve該做什麼的儀器，而是Diana用來紀念Steve的遺物，用來見證他們曾在一起的每分每秒。Steve最初駕著戰機掉入Diana的世界，最終又駕著飛機飛出Diana的世界外。Steve的犧牲使得這份遺憾的愛轉化為一股強大的力量，讓Diana釋放出潛在的能力，終於進化成Wonder Woman。這一切都是命運的安排。

作為片中反派角色之一的Doctor Poison，在造型上更貼近真實世界，讓DC漫畫的傳統反派角色擺脫了滑稽誇張的形象，甚至還有一雙哀怨和悲情的雙眼。由於同是女性，Doctor Poison難免會被拿來跟Wonder Woman做比較，因此便產生了邪惡和正義的區別。同樣是走入戰場的Doctor Poison也可被稱作一位傑出的女性，在職場上擁有一定的影響和地位，可惜的是她站在完全對立的陣線。就跟許多女性一樣，即使Doctor Poison擁有再高的智商和能力，她依舊在男人主宰的戰場上淪為奴隸任人擺布，輔助男人們達到他們想要的目標，卻放棄了自己的目標和尊嚴。Doctor Poison其實也是一個值得同情的悲情角色，人生中不好的際遇讓她走向了人性滅亡之路。

It's about what you believe. And I believe in love. Only love will truly save the world.

1835年，住在加州外海聖尼格拉斯島上的印地安人，受到獵海獺人的侵略，不得不棄島遷移。當時只有12歲的卡拉娜為了陪伴來不及登船的弟弟而游回荒島。在弟弟被野狗群攻擊慘死後，她便獨自展開一個人的生活。她靠著自己的智慧和毅力在荒島上生存了18年，使用鯨魚骨造房子、用海豹筋做武器、以捕魚和採野菜維生，直到她看見一艘白人的船隻才回到內陸生活。這是一個真人真事改編的故事——《藍色的海豚島》裡的卡拉娜有著求生的慾望，在信念的力量下存活了下來。這又讓人想起戴晨志曾寫下的一句話：「人的信念是一件很奇特的事；它是看不見的，但它導引著一個人，走向一生前進的道路」。一件事的結果來自於你對這件事的看法和理念。如果我們認為自己的信念是對的，那麼無論在什麼情況下，我們都應該堅持不懈。若是生命中缺少了目標和信念，即使付出太大的努力，也無法得到任何收穫。人生就是因為有了信念，才得以屢次創造奇蹟。