A Star Is Born

Music is essentially any note between twelve octaves. Twelve notes and the octave repeats. It’s the same story told over and over. All that the artist can offer the world is how they see those twelve notes.

儘管有許多人認為好萊塢電影的創意愈見匱乏，近年來只能藉由續集和翻拍去支撐整個工業。事實證明一個一個有生命力和有價值的故事，能夠經受時間的磨練。《A Star Is Born》一共被翻拍過4次，這四部作品的雛形或靈感源自源自1932年的《What Price Hollywood》，1937年版本的《A Star Is Born》曾獲得7項奧斯卡提供，最終榮獲最佳原創劇本獎。1954年的重拍版本堪稱是最經典的版本，181分鐘的剪輯版獲得影評人的一致好評。此片雖然保留了原作的故事框架，卻加入了更多歌舞片的新元素，被許多人追捧為當時偉大的歌舞片。1976年的重拍版本或許是四個版本中最不受歡迎的版本，電影又隨著時代的變遷，由歌舞片類型再次改動為音樂電影類型，是2018年版本改編的藍本和基礎。想要重現經典並非容易的事，《A Star Is Born》在籌備時期經歷過一波三折，最後才交到Bradley Cooper手上，締造出許多歷史性的紀錄，包括首次執導的Bradley Cooper第一次在大螢幕上自彈自唱，歌手出身的Lady Gaga首次登上大螢幕當女主角；片中的兩個人在各自不同的領域中展現了自己的另一面，迸出新鮮感和火花。

2018年版的《A Star Is Born》上映至今已獲得許多專業影評的讚賞。它目前在Rotten Tomatoes上的專業評分高達90，在Metascore和IMdb上的評分亦分別達到88及8.4的高價評分，入場觀眾的好評不斷，靠著口耳相傳的口碑成為今年最受關注的電影之一。單單以故事主線來說，《A Star Is Born》是一個相當公式化的好萊塢劇本，從1937年版本至2018年版本都在重複著同樣的故事：男人在事業和健康走下坡的時候，恰好發掘到懷才不遇的女人，便成為了她的伯樂、師傅和戀人。男人在女人事業如日中天的時候，發現自己是對方的絆腳石和累贅，於是決定狠心地永遠離開她.......這個悲情的故事既然能在當年奪下最佳原創劇本，確實有它一定的故事價值。正如Jack對Ally說:「Talent comes everywhere, but having something to say and way to say it so that people listen to it, that’s a whole other bag....you just tell them what you want to say」。一部電影毋需太複雜的元素和太豔麗的包裝，只需要簡單地以最直接的方式，表達出自己想要說出的東西，就能感動到人。更重要的是讓觀眾能從遺憾中感悟到生命中可貴的事。

新版的《A Star Is Born》在劇本上修復了1976年為人詬病的地方，同時又有許多向前作致敬的情節，像是同樣是以Jack的演唱會演唱搖滾樂拉開序幕；Jack在演唱會結束後走入酒吧遇見正在演唱的Ally；Jack在沒有預警下把Ally拉上演唱會舞台，讓她演唱自己的原創曲；Jack帶著Ally到各地去巡迴演唱；在Ally在Grammy Awards領獎台上致謝辭時，醉醺醺的Jack在台上出醜；劇終時，Ally在追悼會上以複雜的心情演唱Jack的創作歌曲。當Jack在同志酒吧裡邂逅Ally時，他便被她的磁性歌聲揪住了心。《La Vie en Rose》是一首傳唱度很高，但原唱Edith Piaf那渾厚沙啞的嗓音賦予了這首歌永恆的生命力。Edith Piaf的命運極為坎坷；幼時因父親從軍而被母親丟棄，因為乏人照顧而導致失明數年，長大後身體也特別嬌小；15歲離開父親後就在街頭賣唱；在愛人Marcel Cerdan死於空難以後，她最後以《Hymne à l'amour》來紀念這段悲劇收場的愛情。長期被酒精和毒癮折磨的她在1963年逝世，結束了48年的短暫人生。「玫瑰人生」正是Edith Piaf的真實人生寫照。片頭的這首歌其實也暗示了Jack的命運多舛及無可避免的結果。

依據劇情的編排，Jack與Ally的關係看似簡單的一見鍾情。實際上他們倆是在超市外的泊車場聊天時，從前奏的曖昧昇華成相互傾慕，接著又在巡迴演唱時的相處中慢慢發展成情侶關係。這是一段建立在情感上的柏拉圖式戀情，而《Shallow》是這段愛情的見證和結晶。它既有兩人深藏在內心的矛盾，也有相知相惜的美好一面。雖然男人只聽了女人哼唱了一小段自己的創作，但女人從未想過男人會繼續為這首歌編曲、補充和填詞，使得這首歌變得更加完整。那一刻女人因為終於找到了一個懂自己的男人而被感動了。歌詞中的「I find myself longing for change, and in the bad times I fear myself」是男人對女人的回應。「Is there somethin’ else you’re searchin’ for?」看似反問的一句話，卻一語道出了她的心聲。「I’ll never meet the ground」暗喻了這段悲劇愛情的下場，但「We’re far from the shallow now」卻又展現了他與她對這段感情的重視、堅持和篤定——真正刻骨銘心的愛情是失望和希望、悲傷及幸福並存的。Jack結束自己生命的行為並非懦弱的表現，他的初衷不完全是放棄自己，而是害怕自己會繼續傷害對方，所以選擇了真心付出自己的生命。

一個巨星的誕生意味著另一位巨星的殞落，這看起來是恆久不變的定律。片尾時，Ally在舞台上啜泣演唱的《I’ll Never Love Again》是一首既傷感又動人的歌曲，讓人忍不住跟著Ally一起回憶過去而不禁流淚。「If I knew it would be the last time, I would have broke my heart in two, Tryin’ to save a part of you」...它的旋律會令人聯想起Whitney Houston翻唱的《I Will Always Love You》，帶點熟悉卻又更悲情的音符，腦海裡浮現的是傷痛和歡樂的Bittersweet Moments」，能夠渲染所有人的情緒。作為Jack的最後一首創作歌曲，他在歌詞中寫道：「Don't wanna give my heart away, To another stranger, Don't let another day begin, Won't let the sunlight in, Oh, I'll never love again」，這即是他對Ally的一往情深以及對這段愛情的堅定不移。Ally在舞台上演唱這首歌時的眼神和語氣也是如此得肯定，像是在告訴對方是自己永遠的情人。假如生命能夠重來，她依然會選擇他。無論是《Shallow》、《I’ll Never Love Again》、《Always Remember Us this Way》、《Is that Alright》、《Maybe It’s Time》等等現場錄製的原創曲目都極富感染力，能夠深深地打動人心。

倘若說Bradley Cooper和Lady Gaga的表現可圈可點，兩人的首次搭配合作既新鮮感也有火花，片中的多首歌曲則為2018年版本的《A Star Is Born》注入更多的情感及靈魂，為故事主線的前半段譜寫出細膩而動人的旋律，歌曲、故事和角色彼此相互緊密地融合在一起。相反的，當故事主線進行到後半段時，既Ally當上流行歌手後的劇情會比前半段來得散亂一些，歌曲、故事和角色三者之間的關係開始有了一些距離。《Look What I Found》、《Heal Me》、《Why Did You Do That》、《Hair Body Face》等曲目，都是Ally成名後的創作幾乎都是為了配合市場需求的產物。這些流行舞曲在單獨聆聽都是朗朗上口的歌曲，可是放入電影之中似乎會稍微有種格格不入的感覺，而抹上濃妝的Ally也漸漸恢復了Lady Gaga的影子。直到Bobby和Jack的一段真情對話後，前半段遺留下來的情緒便立即回來。年紀較大的Bobby扮演著像是旁觀者或教父的角色，將生離死別看得相對平淡，並在每個人最傷痛的時候給予安慰和鼓勵。當Bobby告訴Ally有人在開始唱誦Jack的歌曲作紀念的時候，彷如訴說人生就像舞台，不到謝幕之時，永遠不知道自己有多精彩，感慨的是Jack再也看不見了。

《A Star Is Born》由始至終都在說著同樣的道理：「How others see you is not important. How you see yourself means everything」。Jack從來都都不喜歡打扮得裊娜娉婷的女人，而是喜歡卸下妝容後以素顏示人的Ally。她耿直、坦率、不造作，滿腦子都是音符而即興創作，與想到什麼就做什麼的自己正好惺惺相惜。在Jack的鼓勵和教導下，Ally才擺脫了瞻前顧後的婆媽想法，勇敢地面對自己的缺點。在人人都指點自己怎麼做的時候，偏偏理直氣壯地反其道而行，向世人證明自己能夠做些什麼，因為自己的人生就應該任由自己主宰。「All you got to do is test it. That’s all you got to do」。人生其實就是一段不斷選擇的過程，持續地重複著相同的事情，或是不斷地遇到相同的東西。我們會在挫折中學會用不同的方式去面對問題時，直到某天我們才會從中找尋最正確的方式解決自己的問題，找到能夠打開自己內心的那把鑰匙——我就是最後做出選擇的人。我們都是人生這齣戲的主角，所以真的沒有必要去模仿任何人。要偽裝成別人眼中的角色不是一件艱難的事情，要勇敢地做回自己才需要更大的勇氣。如何在不停變遷的時代中保持最真摯的初心，才是最強大的力量，也是我們存在的理由。

 

《Shallow》和《I'll Never Love Again》絕對是百聽不厭、傳唱度會很高的歌曲。

Venom

Everyone's got their thing! Maybe it's a break-up. A death. An accident. Whatever it is, you used to be one thing. Now, you're something else. We all have our own problems. Our own issues. Our own... demons!

電影故事的最開始應該是發生在太空，可是劇本省略了The Life Foundation派遣太空人在某顆彗星上採集到「Symbiote (共生體)」樣本的過程，而是直接把故事開端的場景設定在太空船墜落的東馬。眼看馬來西亞的名字出現在好萊塢電影的大螢幕上，確實會讓身為大馬人的小觀眾感到莫名的小興奮和小自豪。對於這片充滿奇風異俗和古老神秘的原始熱帶雨林來說，來自外星球Klyntar的共生體同樣具有恐怖和黑暗色彩，其故事正好可以從這裡展開。作為又一部系列電影的起源故事，以驚悚恐怖元素作為前奏的《Venom》，憑著亦正亦邪的反英雄人物個性或形象，藉此創立了不同於其他超級英雄電影的另類風格。曾經執導過《Zombieland》的導演Ruben Fleischer，更為此片奠定了一種偏向B級片風格的科幻驚悚黑色喜劇片。Sony電影公司在4月23日發出《Venom》的第一支預告片時便造成了轟動，在24小時內的點擊量已超過6430萬次，改預告片至今已累積到7千萬的爆表點擊率，超越了許多超級英雄電影的預告片，證明了觀眾對這位經典超級反派的期待度。

不說不知，原來Venom最初是由一位漫威漫畫讀者所構想出來的角色，隨後被漫威買下版權而被編入Spider-Man的故事之中。這個角色的完整形象最早登場於1988年出版的漫威漫畫《The Amazing Spider-Man》第300期。在原著漫畫的設定中，Venom屬於一種被稱為Symbiote的外星物種，並且由一位叫做Knull的神所創造出來，在宇宙誕生以前就長眠於虛無世界之中。它們是具有思想的外星有機生命體，幾乎以液體狀的形式出現，通常需要與一個宿主結合才能生存，賦予宿主更強大的力量和能力。然而，侵略性強的它們在長時間下會影響宿主心智而變得殘暴。在1985年推出的《Secret Wars》連載漫畫中，來到戰爭世界的Spider-Man碰上了共生體而換上了黑暗版的蜘蛛俠戰服。重回地球的Spider-Man在Mister Fantastic的協助下，發現了共生體懼怕火焰和聲波的弱點將它脫離。附身過Spider-Man的共生體卻因而獲得了蜘蛛俠的一些超能力，並尋找到被Spider-Man揭穿新聞造假而失意、又罹患癌症的新宿主Eddie Brock，兩者結合成為漫威漫畫史上最著名的反派角色Venom。

在2007年的《Spider-Man 3》上映以後，Sony影業便萌生推出Venom獨立電影的計畫，製作前後一共換了三位導演，計劃一而再地擱置，甚至是胎死腹中。最終，Sony聘請了Dante Harper為電影撰寫劇本，以及找來Tom Hardy主演，才總算挽回了局勢。然而，在沒有Spider-Man的加持下，獨立成篇的Venom便是一部擁有不同宇宙觀的超級英雄起源電影。它無法再按照漫畫原來的情節設定述說故事，況且那需要很大幅度地去介紹另一個星球宇宙的故事。因此，編劇唯有選擇比較接近科幻電影的場景以及真實生活的方式展開一個全新故事。電影選用的角色設定並非漫畫原著最初的Venom，即是一個沒有聲音及因為寂寞而渴望擁有主人的外星生物，而是更符合漫威漫畫近期的設定，可以控制宿主、擁有自身的思想、能夠與宿主對話，甚是是像附身在Flash Thompson的Agent Venom般，由超級反派漸漸轉變成帶有邪氣的反英雄人物，而深受廣大漫畫迷的喜愛。於是乎，千呼萬喚始出來的《Venom》，再次證明了期待越大，失望越大的不變定理，差強人意的表現使這部電影無辜地慘變箭靶。

《Venom》在試映後所獲得的口碑和評價普遍不理想，甚至還被許多專業影評人及媒體吐槽，在爛蕃茄網站上的新鮮度目前僅有29%的低分，與觀眾的期待度89%形成強烈對比。與此同時，此片在IMdb網站上的評分仍有7.1/10，還不算太差。電影開場的氣氛和配樂會產生一種猶如恐怖片般惶惶不安的氣氛，是很不一樣的開始。在這以後，劇本的重心便轉移到Eddie Brock的身上，並用了很大的篇幅去介紹他如何再從一位自大的知名作者，淪落成事業和愛情雙失的魯蛇。對於一步起源電影來說，這些都是無可厚非的事，可惜劇本卻處理得很零碎。Eddie Brock在實驗室裡意外被Venom纏上的情節，恰好跟Peter Parker在實驗室裡被變異蜘蛛咬了一口的情節有點相似，但Venom寄生在Eddie身上的邏輯和原理又不禁令人聯想到日本漫畫《寄生獸》，尤其是寄生在Carlton Drake體內的Riot雙手成刃的畫面更是十分雷同。整部電影最為人詬病的便是Venom與Eddie Brock之間的從寄生變成共生的關係變化，過於簡單而變得理所當然；再者，則是老舊的故事橋段沒有給予觀眾太多的驚喜，少了一點化學作用。

Sony影業在開拍《Venom》前的計畫是將它拍成近年更符合觀眾口味的R級版電影，亦更接近Symbiote原來就很兇殘和愛吃活物的個性。可是說好的R級電影，在考慮到商業電影的市場，為了吸引更多青少年入場觀賞，而不得不刪減了許多暴力血腥的鏡頭，最終硬生生把R級版降低成PG-13版。這樣的調整使此片失去了少許的趣味，不對味的風格讓成人影迷感到失望，也可能連累到Riot的戲份也被閹割了許多。畢竟他是片中唯一一個生性殘暴的共生體，被它寄生過的宿主幾乎都沒有存活的機會。相比之下，Venom顯得很仁慈和人性化，很少殺害宿主。或者，這就是Riot選上Carlton Drake的主要原因，符合原著漫畫中共生體尋找宿主的條件設定，同時也凸顯出後者為了荒謬的理想而不擇手段的兇狠魔性。然而，劇本對於反派Carlton Drake的描寫偏向於公式化，反而像是為了承托Venom和Eddie而存在的角色。有趣的是，Carlton和最初的Eddie在某方面來說都是十分自我的人，為了達到目的而不擇手段。因共生體而短暫演化為She-Venom的Anne Weying，其形象會令人聯想起《The Amazing Spider-Man》的Gwen Stacy，是位敢愛敢恨及堅強獨立的前衛女性，在關鍵時刻幫了Eddie一把，完全擺脫了女性角色在超級英雄故事裡註定是花瓶的命運。

回顧Venom在漫畫中的歷任宿主，除了Peter Parker之外，其他人大多數在最初都並非完全善良的人類，包括正在連載中的Lee Price、高中時期經常欺負Peter Parker的Flash Thompson及第二代宿主Eddie Brock。在接受政府機密實驗後的Flash Thompson成為Venom的新宿主，以Agent Venom的身份為美國政府執行機密任務，為Venom灌輸了許多善良和正面的思維；與Venom共生的Eddie Brock最初是無惡不作的超級反派，後來卻厭倦了無休止的殺戮而精神崩潰，漸漸地洗白為半忠半奸的反英雄角色。這可以被解讀為創造Venom這個角色背後所隱藏的意義：善良與邪惡是潛在的人格，同時共存在每個人的內心之中，關鍵是宿主的個性與理念能夠直接影響共生體的思維方式。唯可惜的是電影後半段著重於製作娛樂效果，而少了更多對於人性的刻畫。邪惡是由憤怒所生，負面的情緒又是一種會傳染的病毒，若披上了這件黑色的戰袍就會形成惡魔；堅強的善念是可以傳遞的溫暖，又如同共生體所懼怕的聲波和火焰，能夠攻擊惡魔的弱點。雖然沒有辦法完全消滅惡魔的存在，但宿主可以從它身上獲得強大的能力，將惡緣轉成善緣。到了最後，你會發現共生體與宿主之間的相處之道，並非是誰控制了誰，會是誰先放棄了誰，而是妥協！

縱使《Venom》擁有許多毛病，或許也達不到多數漫威電影的水準，它卻不是一無是處的大爛片；至少此片仍不失B級片的黑色幽默和娛樂效果，還有Tom Hardy的個人魅力作為支撐，要成為本年度的爛片之王其實還有一定難度，畢竟爛番茄網站上被評分低於29%的電影還真的不少......

由Eminem演唱的同名電影主題曲《Venom》，其MV的故事也有意思

Mission: Impossible – Fallout

There cannot be peace without first a great suffering. The greater the suffering, the greater the peace. The end you've always feared... is coming. It's coming, and the blood will be on your hands.

由同名電視影集改編的《Mission: Impossible》電影系列由1996年開始上映至今已橫跨了兩個十年，Ethan Hunt的特務形象也早已深入民心，並且成為Tom Cruise演員生涯中的代表作。從第一集至第五集，由不同導演執導的《Mission: Impossible》顯然有著各自不同的風格。由第五集《Mission: Impossible – Rogue Nation》導演Christopher McQuarrie再度自編自導的第六集《Mission: Impossible – Fallout》打破了每集換導演的宿命，於首週的全球票房為1.535億美元，在上映兩週後已達到3.63億美元的累計票房，是《Mission: Impossible》系列的最佳成績。在電影評價方面，《MI6》獲得了許多專業影評的正面迴響和好評，分別在Rotten Tomato網站獲得97%的新鮮度、IMdb網站獲得8.3/10、Metacritic獲得了86分。票房和口碑兼具的《MI6》成為了整個系列電影表現最佳的一集。英國報章《The Telegraph》對此片的一語評價是: 「Spectacular and eye-popping, this is the blockbuster of the summer」。

《Mission: Impossible》電影系列從來不是個人喜歡的系列電影，印象中也只看過其中的兩集。然而，只要大概翻查一下之前五集的劇情描述，就能發現《Mission: Impossible – Fallout》是整個系列的集大成之作。它在劇情上不但緊密地聯繫著《Mission: Impossible – Rogue Nation》，其中Ethan的好夥伴Luther和Benji再次擔任團隊中的重要角色；上集的大反派Solomon Lane繼續在本集中繼續以暴力和恐怖的手段威脅世界的安全；上集的女主角Ilsa以亦敵亦友的身分再次出現在眾人面前，與同樣是特務的Ethan繼續一段戀情；Ethan生命中最重要的女人Julia在繼「MI3」及「MI4」後再度登場，在片尾重頭戲扮演著主要角色之一。新加入的角色如來自CIA的Walker和Erika，以及黑市交易的仲介商White Widow，都在片中直接性參與了故事主線，或間接性地輔助了劇情的走向，與Ethan有著一定重要的聯繫。而White Widow其實是出現在首集中Max的女兒，讓「MI6」又多了一條貫穿整個「MI系列」的線索。

《Mission: Impossible – Fallout》的時間線設定在上集的兩年之後。全長147分鐘的電影長度因為劇本編排得宜的故事架構，所以不會顯得單調和冗長。劇本的內容也相當豐富飽滿，並且還以穩健而流暢的步驟，帶領觀眾進入一團團猶如迷霧的特務世界之中。儘管特務電影總是不斷在各個城市飛來飛去，更是離不開追殺、槍戰、飆車、爆炸等場面，但是「MI6」在這些原有的元素上增加了許多新鮮的設計橋段，許多動作設計場面都很流暢和到位。劇本偶爾還會跳脫一下既定的故事框架，再以流利的鏡頭和剪接去增加緊湊度和懸疑感，使得電影表現精采和刺激，毫無疑問是動作、娛樂。尤其是Ethan和Walker在洗手間裡聯手對抗Lark Decoy；Ethan騎著摩托車在巴黎街頭躲避警察的飆車片段；以及Ethan駕著直昇機去追捕Walker的飆飛機片段，都是讓人看得嘖嘖稱奇的精華鏡頭。特務電影裡的每一場冒險都是由許多巧合所拼湊起來——或許你從來不會擔心頂著主角光環的Ethan的生死存亡，可是你也會轉而為Ethan身邊的夥伴們捏一把冷汗。

已經50多歲的Tom Cruise依舊是整部電影的焦點所在，亦是這部系列電影的靈魂人物。「MI6」裡的許多動作戲碼和橋段安排都是向前作致敬，如重複頻率很高的易容術、直昇機、騎重型摩托車、高樓跳躍、攀岩等等，各個場面都比劇情的巧合性更逼真，有別於一般動作片的伎倆，而整個故事重心相對來說比較簡單，更趨向於想要拯救世界、維護和平的個人英雄主義。充滿傳奇性的Tom Cruise總是被人稱讚為好萊塢有史以來最敬業的演員，在片中親自上陣，挑戰多個高難度動作，並且負傷完成剩餘的拍攝，才能讓整部電影的視覺動態效果具有細膩度、流暢度和真實感。Tom Cruise的每一個高難度動作演出都是又一次對自己極限的挑戰，這些都是發生在戲外的「不可能的任務」，他的敬業態度確實讓人值得為他鼓掌。Tom Cruise憑借這次向世人證明了自己的實力和耐力，終於能在《The Mummy》後一雪前恥。Walker在片中的一句「Why wont’t you die」，即是對片中各種巧合性的調侃，也讚頌那種鋼澆鐵鑄的生存意志力。

在現實生活中發生的恐怖襲擊事件從來都不是新鮮事。1972年9月5日，巴勒斯坦恐怖份子持槍襲擊奧運運動員村，當場殺害兩名以色列運動員，再劫持9名人質導致奧運比賽停止，所有人質最後慘遭殺害。1988年12月21日，泛美航空103號班機成為恐怖襲擊的目標，在蘇格蘭邊境小鎮洛克比上空爆炸導致270人罹難。1995年3月20日，奧姆真理教組織成員在東京地鐵內釋放沙林毒氣，造成19人死亡及約5500人中毒。2001年9月11日，恐怖份子劫持了四架民航機撞擊美國紐約的世界貿易中心雙子塔以及華盛頓的五角大樓，造成2986人於這場恐怖襲擊中喪生。還有2005年7月7日發生在倫敦的7.7爆炸案、2008年的孟買連環爆炸襲擊等等，這些人們目睹到的恐怖襲擊都只是冰山一角。世界上仍然有一些思想激進的滋事份子在等待著時機隨時製造混亂，所以人們迫切地盼望和平以及能夠保護世界秩序的英雄，於是就把希望投射在總會想辦法拯救每一條生命的Ethan Hunt身上。就像夥伴們相信Ethan能在最後一秒鐘解除引爆器一樣，只要人們擁有一顆堅強的心以及願意願意信任彼此，我們就能一起攜手面對紛爭和危機。

The Mermaid: Lake of the Dead (Original Title: Rusalka: Ozero Myortvykh)

問起最廣為流傳的美人魚故事，相信許多人都會認為是丹麥作家安徒生的《The Little Mermaid》。這個淒美的童話故事描繪了一個近乎完美的角色形象，是位溫婉美麗的人魚公主，讓讀者在這個帶有悲劇性色彩的童話故事中，對美人魚產生同情和憐憫。然而，在許多歐美國家的神話或傳說中，美人魚帶著一絲恐怖的未知生物。希臘神話中的人魚被稱作Siren，善於使用自己美妙的歌聲迷惑過往船隻上的船員或漁夫，待船隻靠近後便會襲擊人類。挪威人把人魚稱作Havfine，他們的脾氣古怪甚至殘暴，看見他們的人類都會運氣不佳。德國民間故事裡的人魚被稱作Lorelei，居住在萊茵河裡，喜歡惡作劇，並誘惑凡人到水下一起生活。日本民間傳說裡也有一種名叫「磯姬」的人魚，它們口咧至耳、頭上張角、牙齒尖銳，常在風浪大作時襲擊岸邊的旅人，甚至將人類殘忍地殺害。

在俄羅斯的文化裡，美人魚的形象與我們所認知的傳統形象擁有很大的差異。俄羅斯的美人魚更接近水中女妖，通常是被愛人負心後投水自盡的少女，甚至還有未婚生下的嬰兒被帶到湖裡淹死，在屍體沈入水底以後化作水妖。她們經常在湖邊、河邊或井邊引誘年輕的男子，使男子溺水身亡作為報復。在俄羅斯的「Руса́лии」或是美人魚的紀念週內，一般人都會遠離水源，而村莊裡的青年則會身穿白衣，與所有村民一起遊行，並跳著傳統的俄羅斯環舞，用以趕走水妖或女鬼。由俄羅斯新銳導演Svyatoslav Podgaevsky所執導的《The Mermaid: Lake of the Dead》，就是以這個俄羅斯傳說作為恐怖片的藍本，即是基於現實中的奇幻傳說改變為更貼近真實的故事。由於俄羅斯恐怖片甚少在本地上映，這使得觀眾對此片產生更多的好奇心，卻又難免將它跟好萊塢電影作比較。

《The Mermaid: Lake of the Dead》與導演的前作《The Bride》擁有近乎相同的故事架構和套路，就如以上一代家族的故事掀開序幕的開場白；然後劇情轉換到現代，故事重心由此落入即將新婚的小情侶；由同一位演員扮演的女主角，都有被犧牲成為祭品的命運；男主角同樣擁有一個很迷信的姊姊；故事中的家族總有一段不可告人的秘密而遭到邪物纏身；男主角的老家總是一棟鬼影幢幢的老房子；女主角都由受害者化身為施救者。兩者之間存在太多雷同的情節，是將所有材料複製在一個不同造型的模具而已，已經沒有半點創意可言。美人魚水怪這個題材其實原本是一個很好發揮的題材，奈何這部劇本卻沒有深入地去塑造這個角色背後的可悲，純粹只是借用它來嚇唬觀眾，蜻蜓點水般的劇情更流於公式化。其他配角似乎也淪為劇本裡一枚棋子，作為故事主人公的女主角表現平淡無奇。

為了迎合大眾市場，後期製作時重新以英語配音和打上字幕的俄羅斯電影《The Mermaid: Lake of the Dead》，面對無法以俄語原音上映的窘境，更糟糕的是英語配音無法對上嘴型，多少會影響整個觀影的情緒而產生一層隔膜。此片在特技效果和驚嚇場面的設計上，都有以好萊塢電影為借鑑。雖然片中不乏嚇人的鏡頭和令情緒緊繃的音效，可是這些橋段皆有過於用力和刻意之嫌，以致減弱了劇情的邏輯性和角色的思維力。尤其是導演捨棄了使用慢鏡頭，而改用演員的慢動作去製造驚嚇橋段的方式，在重複幾次以後已失去了原有的娛樂效果——因為演員一旦放慢動作，觀眾便有充足的時間做心理準備，不再有新鮮感。不排除導演過於注重這些驚嚇橋段而忽略了劇情本身的空洞。蒙太奇的剪輯手法使得場景的轉換和畫面的切換過於頻密，隨即產生了一種劇情段落間毫無連貫性的跳脫感。

每一個黑暗魔法都有一個能夠解開的咒語。以古老傳說為藍本的《The Mermaid: Lake of the Dead》同樣埋了一個魔咒梗。劇本參考了中世紀歐洲傳說：一旦男子藏起人魚的梳子或鏡子，人魚就會跟他一起生活。不同的是，故事中邪惡的人魚是故意落下梳子讓男人撿起，也是解開魔咒的第一把「鑰匙」。當大家驚覺梳子並非關鍵的鑰匙時，才發現了隱藏在數字背後的第二把「鑰匙」——這樣的情節轉折原本應該是電影的高潮點，卻因為突兀的剪接而無法達到預期的最佳效果，實屬可惜。這背後真正的意義是告誡大家凡事只看表面，往往會錯決了事情的真相。在現實生活中，我們往往會選擇相信自己眼睛所看到的事物，故很容易被表面的現象所矇騙。人類對任何事物的不同觀點取決於我們為它們貼上的標籤，而這些標籤通常就是建立在我們自以為是的習慣和思維。唯有嘗試換個角度思考，才能打開幽禁自己的枷鎖。

Ant-Man and the Wasp

《Ant-Man and the Wasp》是《Ant-Man》系列電影的續集，亦是漫威電影宇宙的第20部電影，即可以獨立成篇，又可與其他漫威電影首尾貫通。在這部續集的故事中，其主要段落的時間點設定在超級英雄內戰——即《Captain America: Civil War》的兩年後，劇情實際上並無緊接上一部的結尾，反而透過幾位重要角色之間的對白輕描淡寫地帶過兩年內所發生的事，再慢慢地在尾段把這個故事的時間線與《Avengers: Infinity War》的時間線交錯和重疊在一起。續集不但能夠解釋Ant-Man並未現身超級英雄聯盟重頭戲的緣由，也為往後的「Avengers 4」部署了關鍵性的鋪陳。為了拯救第一代The Wasp，發現了「Quantum Realm」背後秘密的兩代Ant-Man和The Wasp，隨即成為了漫威宇宙電影下一階段的關鍵人物，甚至可能是末日後改變歷史的希望。在現實中，漫威甚至聘請了California Institute of Technology的物理教授Dr. Spiros Michalakis作為顧問，為漫威提供量子領域的專業意見，增加劇情的科學性。

《Ant-Man and the Wasp》在風格上繼承了前作輕鬆而歡愉的調性，節奏就如Scott Lang的獄友Luis的說唱能力般流利和明快，同時還融入了滑稽又創意的元素，並在電影主題上突出了親情的題材，使得「Ant-Man」擁有自成一格的超級英雄電影。在「無限之戰」之後，Ant-Man的幽默剛好可以暫時緩解漫威電影迷的悲傷情緒。因觸犯刑法而遭軟禁在家的Scott Lang雖然失去了自由，卻擁有更多充裕的時間與女兒相處，努力為女兒製造更多的美好回憶，塑造了一個好父親的正面形象。然而，沒有天賦異稟的Scott Lang在個人技術和能力上似乎沒有其他超級英雄般突出，卻憑著自身對盜竊犯罪的敏感度，以及利用皮姆粒子技術改變所有物體的大小尺寸的能力；傻氣和隨和的個性也能讓他幸運地躲避危險。這些能力使他在眾超級英雄中脫穎而出。Scott Lang的喜感和Ant-Man的能力確實是奠定了「Ant-Man」的劇情主調和走向，簡單來說就是一個融入了科學、盜竊、冒險、動作等元素的浪漫愛情電影或溫馨家庭喜劇。

當女性超級英雄愈來愈被好萊塢重視的時刻，Hope van Dyne在片中的戲份明顯增加許多，從上集的配角躍升為主角之一，這個角色在續集中擁有了更多發揮空間。The Wasp在片名標題上也與Ant-Man並列齊名，更是包攬了片裡的大部分動作武打場面，盡現超級英雄的風範，在Ant-Man面前搶盡風頭。續集甚至還以Hope van Dyne的視角和故事切入，把已經出現在上部的一段回憶拓展成更完整的故事，作為續集的主要劇情，讓觀眾更能感受到Hope van Dyne和Dr. Hank Pym想要在量子領域裡尋找消失30年的Janet van Dyne，讓第一代Ant-Man和第二代Ant-Man的兩個家庭故事填滿劇本，使得續集的內容更加豐富。換了髮型或造型的Hope van Dyne擺脫了犀利女老闆的模樣，在穿上新戰袍執行任務的時爆發出驚人的力量，對於縮小放大的能力收放自如，同時還能機警地想出對戰策略，在戰鬥力和智慧上都比Ant-Man更勝一籌，又能隨時改變計畫配合靈機一動的Ant-Man，使得兩人成為極具默契的最佳拍檔。

家庭一直以來都是「Ant-Man」系列的核心價值。因此，劇本花了很多篇幅去描繪Scott和女兒Cassie之間的感動和互動。Ant-Man很多時候都會從女兒的身上獲得啟發和靈感，而女兒也成為他生存下去的理由和動力。與此同時，在漫畫裡的設定，一直以父親為榜樣的Cassie在長大後也會繼承父親的衣缽，以「Stature」的代號加入Young Avengers，繼續行俠仗義。Scott和Cassie在一起的時候，往往就是整部片最溫暖和幸福的片段。從為了女兒而放棄自由權利的行為上來看，Scott Lang覺得是一個超級好爸，是女兒心目中永遠的英雄。另一邊廂，在超級英雄世家成長的The Wasp，也是故事的另一個軸心。雖然Dr. Hank的脾氣暴躁易怒，可是夫代母職的他對待女兒的態度卻十分細心溫柔。旁人也不難從兩人的互動和對話之間看見父女的相互關心和扶持。開場白的一場戲迅速地讓觀眾體會到Hope對於母親的思念，也讓觀眾看見了第一代黃蜂女充滿智慧和勇氣的英雄形象，及堅強慈祥的母親形象。因此，Hope一家三口團聚的畫面才能製造出溫馨感。

儘管劇情著重在兩個超級英雄主角及兩個家庭上，電影對其他各個好人角色的塑造也很討喜，尤其是話癆Luis在片中的表現最突出，總是能為劇情增加許多笑點。Ghost這個反派原本是一個可以發揮得更好的悲劇性角色，但或許是為了符合本片幽默風趣的格調，反派角色在片中的超能力也相對較弱，並且將故事中段切分為三條相互交錯的故事線，包括神秘的Ghost、黑市商人Sonny Burch以及FBI特工Randall Park，因各自的目的而與Ant-Man及The Wasp展開了一場你追我逐的搶奪戰。這樣的情節安排不但能夠增加娛樂效果和故事的豐富性，也能夠削減反派角色能力不夠強大的窘境。從上部的Yellowjacket到續集的Ghost，Scott面對的主要敵人幾乎都是初代蟻人直接或間接所釀造成的悲劇。Ava就像《Black Panther》裡的Erik Killmonger一樣，尚算完整的角色塑造能夠讓觀眾了解她的過去，並感受到她的痛楚和無奈，內心尚存的人性沒使Ghost犯下滔天大罪。這個世界沒有絕對的壞人，他們甚至也有自己脆弱的一面，這樣的設計有別於上部傳統的正邪大對決。

沒有罪大惡極的大壞蛋或是想要統治宇宙的危機，Ant-Man和The Wasp也沒有肩負必須拯救世界的使命；他們更多時候是為了自己所愛的人或是想要保護的人挺身而出。出身並不好，甚至還入獄過的Scott並沒有在人生的谷底中放棄自己，反而憑藉著耐力重新做人，又一步步地證明了自己的實力。從最初的嫌棄到後來的接納，Hope給予Scott的東西是一種希望。跟其他漫威超級英雄比較起來，Ant-Man和The Wasp更顯得真實，就像隱藏在你我身邊的守護者，時刻保護者心愛的家人——即使需要犧牲自己也在所不惜。在每個人都追求更強大的力量時，反其道而行之的他們反而在身體不斷縮小和放大之時，以不同的視覺去看待物體和世界的不同面，才能發現到另一面背後的完整性。這正是Ant-Man和The Wasp與眾不同的地方。脫下盔甲和面具的他們就跟普通人一樣真實，差別只在於他們有著自己的信仰和對生命的熱忱，對生命作出與眾不同的詮釋。英雄不一定是神話中令人敬仰的傳奇，而是生活在我們週遭看起來很渺小的人類。

Deadpool 2

Doing the right thing is messy. You want to fight for what's right, sometimes you have to fight dirty.

2016年上映的《Deadpool》以5800萬美元的超低製作成本，成功在全球票房獲得高達7.83億美元的總收入，刷新了限制級電影首映週末票房的紀錄，是當年最具話題性的賣座電影。完全顛覆了傳統超級英雄電影的《Deadpool》，跳脫了既定模式的舊框架，為現今的超級英雄開創了一條創新路線，讓許多最初不看好這部電影的人大跌眼鏡，也讓當初想要腰斬此片的製作和發行電影公司20th Century Fox，重新審視自己的電影策略。Ryan Reynolds也一雪前恥地以此證明了自己的實力，成功將個性瘋癲和嘴賤的反英雄角色Deadpool演得活靈活現，讓更多人認識這位擁有不死的再生能力，還有能夠「打破第四道牆、跟觀眾直接對話」的超能力的痞子英雄，大受市場歡迎；尤其是在漫畫迷和年輕影迷為主的市場，Deadpool的人氣度極高。小兵立大功的《Deadpool》不再只是一部低成本電影，而是充滿娛樂性效果的限制級動作喜劇英雄片，成為了未來的超級英雄片範本。

由於風險低、回報高的優點，陷入創意困境的好萊塢工業只能依賴開發續集或系列電影，使得續集電影成為一種產業化的套路。然而，近幾年亦有出現不少打破大製作續集電影表現不佳的宿命，像是《The Dark Knight》三部曲、《The Conjuring》系列、《Star Wars》系列、《Jurassic World》系列，以及最成功的《Avengers》系列。在續集電影成為熱門產業的時代，票房和口碑雙收的《Deadpool 2》當然也應運而生。《Deadpool 2》仍舊延續了調皮和瘋癲的風格，就像是一部以超級英雄為題材的惡搞電影。續集的故事格局在預算和資源的增加下明顯地變大，大幅度增加更多的角色、特效以及動作場面，甚至連Deadpool的嘴砲程度也有升級。在首集大獲成功的鋪墊下，接棒拍攝續集的導演明顯有了想要認真講故事的企圖心。故事性加強之後的《Deadpool 2》擁有更豐富的故事結構以及多個新角色，可是劇本對於這些新角色的描繪過於平白，反而成為襯托Deadpool的工具，並使續集偏向於一般流行電影風格，稍微失去了首集如B級電影風格般的獨特性。

《Deadpool 2》還有一個跟首集的明顯差別，在於畫面色彩和明度，以及視覺效果的優化。雖然Deadpool最初是為了掩蓋血跡而身上紅色戰袍和面具，但是這一點紅色卻在更清晰的大屏幕中顯得更耀眼。唯可惜的是Juggernaut的CGI效果依舊有一點違和感，就連Deadpool也自嘲Colossus與Juggernaut對打的片段是「CGI fight scene」。Negasonic Teenage Warhead和Yukio的戲份和風頭明顯被Cable和Domino搶去，在主戲中沒有多大的存在感。續集的格局擴展以後，大幅度地增加了連場追車、槍擊、殺戮等動作場面，反而沒有了在首集中發生在高架天橋上的「最後12發子彈」場景所帶來的視覺衝擊和驚喜感。Deadpool的每一個動作都自然流利，每一發子彈幾乎都精準無誤地擊中敵方的要害，而且在殺戮的過程中還不停地耍嘴皮和擺pose，利用輕鬆搞笑的元素去減弱血腥畫面的衝擊。《Deadpool 2》裡的許多動作場面只要在Deadpool不參與戰鬥的片段，通常都會淪為比較公式化的商業動作片，不能完全滿足於對續集的期待度。此片的劇情走向也從原來的愛情片轉變為拯救孩子的通俗劇。

續集《Deadpool 2》的主軸顯然就是講述死侍在拯救變種人小孩的過程中學會自我成長的故事。這個看似簡單又熟悉的劇情，很難不讓人聯想到同樣是20th Century Fox推出的《Logan》，唯Deadpool的參與使得這個拯救自我的故事產生了很不一樣的化學作用，讓此片免於掉入狗血的家庭倫理劇。這主要歸功於電影製作團隊將惡搞文化發揮到了極致，再利用Deadpool的抵死個性和風格創造出許多既新穎又搞笑的橋段。這些毫無節制的無厘頭想法從開場到結尾從未停止過。開場白直接模仿了「James Bond」系列電影的開場片頭；跑出戲外的Deadpool坐在現場聆聽整首《Ashes》，最後被Celine Dion指鹿為馬當作Spider-Man；Deadpool招募敢死隊成員的節奏就像《Suicide Squad》般跳 tone，而招募團員的方式又像是在揶揄《American Idol》之類的選秀節目；Deadpool在對抗Cable時使用雙刀擋掉子彈卻失敗的橋段直接揶揄了多年前的《X-Men Origins: Wolverine》；又如Deadpool為Russell當下子彈以後，躺在地上模仿Logan臨死前的一幕，卻久久不能死去。這些劇情和橋段總能逗得在座的觀眾哈哈大笑。

雖然Deadpool在《Deadpool 2》裡並沒有發揮到太多打破第四道牆的超能力，可是他的無厘頭完全不受大屏幕的限制。官方早在電影上映前就釋出的前導預告片裡，Deadpool躲到電話亭裡更換戰袍的橋段堪稱一絕，大勢地幽了Superman一默，甚至還大膽地將漫威之父Stan Lee咒罵了一頓。在後來的預告片中，Deadpool以小學生勞作模型做場景，直接利用公仔自導自演地口述劇情的「低成本預告片」非常符合Deadpool的鬼馬個性。電影上映前的預告片，利用了角色能夠穿越到幕前的超能力，並且重金邀請到David Beckam一起拍攝短片，從而達到了宣傳效果。同時，還將首集戲裡的劇情拓展到戲外，讓Deadpool可以在虛擬和現實中穿梭。或許這就是他在片中唯一一個知道Thanos和Cable為同一人的緣由。除此之外，《Deadpool 2》還推出了別出心裁的宣傳方式，在電影上映前一個月預先埋了一個梗，為毫無超能力的凡人Peter創建了Twitter帳號，還發推文分享X-Force成員在「訓練時」的生活照片。《Deadpool 2》的創意行銷方式確實成功地達到了宣傳目的，大力地增加了Deadpool和電影的曝光率和關注度。

回到電影本身，這部續集在敘事能力和特效技術兩方面都改善了很多。導演、編劇和主角很厲害地把所有能夠惡搞的元素都丟入片中。對於經常關注流行文化的觀眾來說，那些莫名其妙的對白和動作肯定能夠刺激到笑點。Deadpool除了夠膽嘲諷自家公司的作品《Logan》和《X-Man》以外，還毫不忌諱地諷刺了Marvel以及DC旗下的多位超級英雄，如Winder Soldier、Black Panther、Black Widow、Superman、Batman等幾乎無一倖免，還順道挖苦了知名的Cult電影如《Sharknado》和《The Human Centipede》。或許Deadpool也深知自己的電影也並不完美，所以毒舌的他才會不停地吐槽自己，在眾人面前先開口挑剔此片的缺點或毛病，這樣的行為扯到讓觀眾無法點評，實屬高招！最絕的是Deadpool藉此為自己平白，用兩顆子彈解決掉慘不忍睹的「Deadpool」和「Green Lantern」。片中還有許多意想不到卻似乎合情合理的劇情和橋段，譬如甫出場就連接領便當的X-Force成員；因觸電而原形畢露的The Vanisher閃現出Brad Pitt面孔；易容過的Matt Damon也來串場討論廁紙。這種亂入的突兀劇情為本片製造出不少驚喜的喜劇效果。

雖然Deadpool的外型跟Daredevil或Spiderman很相似，可是從他身上完全找不到超級英雄應有的情操和道義，作風完全與Punisher背道而馳，反而全身充滿了一股古怪的邪氣，遊走在善惡之間。作為一名非典型的反英雄角色，Deadpool受歡迎的緣由在於兩個字：夠賤，因此才能在正義凜然的超級英雄堆中特立獨行。「Family was always an f-word for me」——從首集的愛情片到這集的家庭片，觀眾可以看見Deadpool正在漸漸地成長。他從不合群的獨行俠變成了大隊長；在面對敵人的時候也不先躲藏在隊友背後，而是直接挺身而出、拯救體積大的小生命，最後完成了自我救贖，並且慢慢地融入群體生活。愛搗蛋、愛整人、愛暴力、愛吐槽的Deadpool，在現實中未必是每個人都能接受的夥伴。脫下紅色戰袍的Wade Wilson其實是個不折不扣的悲劇人物。在破碎家庭中成長的他在患上末期癌症後，又經歷了一次近乎全身毀容的神秘實驗，他終究還是生存下來。若換個角度來看，這真是一個勵志故事：Deadpool對待生活的態度是一種擊退負面思考的方式，不讓自己陷入充滿抱怨的負能量廠，反而時刻保持著樂觀和自信的態度去面對種種困難。

在「X-Man」系列電影出現以前，傳統的超級英雄在螢幕上給予人的既定印象是身材魁梧和形象正直的超現實主義，超人是最好的例子。自卑心態作祟的Russell自嘲自己擁有肥胖的身材，所以無法成為別人眼中的超級英雄。許多人總是希望自己成為別人的樣子，或是羨慕別人所擁有的一切，卻不經意地忘卻了自己而身陷在苦惱之中。直到漫威電影宇宙的出現，才讓越來越多的漫畫英雄有了重生的機會，讓觀眾看見不一樣的英雄。Deadpool從來就不是一個正義凜然的英雄，甚至是一名以暴制暴的殺手。可是他毫不在乎別人投射在自己的眼光，也從未奢望成為某人眼中的某人，反而認真聆聽內心真實的聲音，做回最真實的自己。大哲學家Friedrich Nietzsche曾說過：「The individual has always had to struggle to keep from being overwhelmed by the tribe. If you try it, you will be lonely often, and sometimes frightened. But no price is too high to pay for the privilege of owning yourself」。在你自己的人生故事篇章中，要成為英雄還是懦夫全然由你對生活的態度所決定。

Avengers: Infinity War

The hardest choices require the strongest wills.

根據Box Office Mojo網站的最新統計，尚未在中國上映的《Avengers: Infinity War》迄今已在全球刷下10億美金的票房，成為影史最高首週票房紀錄保持者，引起全球話題。或許它在許多人心目中並非是年度最佳電影，卻無疑是漫威影業公司有史以來的最佳電影，也是目前為止的最佳超級英雄類電影，票房和口碑兼具。

從2008年的《Ironman》到2018年的《Black Panther》，漫威電影宇宙在這黃金十年裡一共推出了18電影，為電影迷或漫畫迷推介了許多為人熟悉的超級英雄及漫畫角色。漫威電影宇宙的系列電影在全球累積票房成績已突破126.6億美元，毫無疑問地成為所有系列電影的冠軍位置，傲視整個好萊塢電影工業。2012年上映的《Marvel's The Avengers》更是破天荒地將各路超級英雄集結在同一個宇宙之中，讓影迷們能在同一部電影中找到Ironman、Captain America、Hulk、Thor、Black Widow、Hawkeye等著名的超級英雄，成為漫威電影宇宙「第一階段」的高峰之作，也奠定了漫威在電影票房紀錄的崇高地位。大獲成功的漫威電影宇宙在第二階段中，陸續推出了幾位超級英雄的續篇，如《Ironman 3》、《Thor 2》及《Captain America 2》。2015年上映的《Avengers: Age of Ultron》更是打造了一隻更強大的團隊，加入了Scarlet Witch、Vision、War Machine和Falcon，壯大了「復仇者聯盟」的陣容和團隊力量。

在過去的十年期間，漫威電影宇宙幾乎每年都會推出兩至三部電影，能説慣道地細細講述每一位超級英雄的誕生和成長，讓他們的故事滲透入我們的生活之中。這些超級英雄早在觀眾心中產生了好感和熟悉感。因此，漫威電影宇宙所推出的每一部超級英雄片都能受到高度矚目，口碑和票房兼具。以18部前作做鋪墊、集結了超過20多位超級英雄的《Avengers: Infinity War》，無疑成為了本年度最萬眾矚目的電影之一，列陣的演員陣容和超級英雄都異常鼎盛，聲勢好大得只能用空前絕後來形容。同時，全片使用最新IMAX攝影機型號Alexa 65拍攝的《Avengers: Infinity War》，搭配比前作更成熟的電影特技和音響效果，大幅地提升了畫面的內容豐富性和音樂的立體性，在視覺效果上創造了更精彩絕倫的觀影體驗，使得觀眾能夠身歷其境般走入漫威的英雄世界之中，讓人看得好不過癮。尤其是眾英雄在Wakanda邊境與Black Order和怪獸團隊抗衡的一場戰役，在大螢幕上更能呈現出硝雲彈雨的壯觀場面。

《Avengers: Infinity War》是所有漫威電影故事線的匯集點，也掀起了這個系列電影的最高潮，完全稱得上是漫威十年磨一劍的巔峰之作。此片的故事是以多達18部作品的故事為基礎而展開，並融入了多個截然不同的世界觀，建構出一個更完整、更複雜的宇宙觀。在18部前作的鋪陳下，此片省卻了介紹每位登場角色的篇幅，直截了當地將《Thor: Ragnarok》的結局轉變為《Avengers: Infinity War》的開場白，並以Heimdall和Loki的壯烈犧牲來奠定整部片的悲劇性基調。畢竟要在兩個小時半裡擠入所有漫威角色是一項非常艱難的任務，劇本於是依據Ironman、Thor及Captain America三位復仇者聯盟主要成員的視角，切分成三條同時敘述的故事線，再以戲份頗重的Guardians Of The Galaxy做推進劇情的輔助，安插在其中兩條主幹線中。另一條篇幅最重的故事主軸都落在大反派Thanos身上——Thanos顯然才是整個故事真正的重心角色。漫威電影宇宙花費十年的心思和時間就在這一刻爆發出勢不可擋的火花。

電影終結前的Wakanda戰役，其規模比Avengers對抗Ultron時更加龐大和精彩；而離隊到Titan星與Thanos聯手出擊的Avengers與Guardians Of The Galaxy，其陣容絕對不輸於「英雄內戰」。雖然Ironman和Spider-Man的新盔甲、Captain America的新盾牌、Thor的新錘子、White Wolf的新裝甲都相繼登場，可是仍無法跟收集了所有6顆Infinity Gems的無限手套相抗衡。劇本透過Thanos尋找6顆Infinity Gems的過程，細膩地描寫了Thanos的過去、他與Gemola之間的父女情、以及他對管治宇宙的理念，使得Thanos成為一個完全有別於以往的大反派。重點是Thanos憑藉著本身的睿智和勇猛，一反傳統地衝破了由所有超級英雄聯合起來的防守線，最終打破了反派必定被正義力量打到的宿命，成為這場戰役的唯一贏家。無庸置疑，Thanos就是漫威電影宇宙目前為止塑造得最成功的大反派。Thanos的出現終於讓超級英雄們感到恐懼和看見真正的危機。Thanos為英雄世界上了一場震撼教育，連Bruce Banner也害怕得無法找到憤怒變身為Hulk，顛覆了漫威宇宙的原有秩序；在多位超級英雄消失於空氣以後，故事的未來遂充滿了未知數。

其實從《Captain America: The Winter Soldier》到《Captain America: Civil War》再到現在的《Avengers: Infinity War》，導演Russo兄弟慣用角色和角色之間的感情描繪去推進劇情的發展，例如Captain American與Bucky Barnes超越半個世紀的友誼、Ironman與Spider-Man的師徒關係、Starlord與Gemola的愛情、Vision與Scarlet Witch的日久生情、Thor及Loki的兄弟情誼、Gemola與Nebula的姊妹情誼等等，都在整個劇情裡起了一定程度的作用。相信科學的Ironman和操控魔法的Doctor Strange，由初相識的目生到後來的一拍即合是一種識英雄重英雄的化學反應。其中佔據篇幅最大的肯定是Thanos和Gemola這對畸形的父女情。Gemola或許從來沒想過，看起來冷漠無情的Thanos也會動上真情，確實曾將自己視為己出，並在最後一刻留下眼淚。可惜Thanos的父愛是能夠為了成就大業而毫不猶豫地犧牲所有人，這與Doctor Strange犧牲Eye Of Agamotto換取Ironman性命的舉動，簡直是判若雲泥。這就是Thanos和Avengers及其他超級英雄的不同之處——超級英雄是光明和正義的象徵，能夠擊潰恐懼和不公。

綜觀古今中外歷史，每個國家的每個朝代都存在著擁有殘暴作風的獨裁者，像是中國商朝的商紂王、古埃及法拉胡夫、羅馬帝國皇帝尼祿、納粹帝國的希特勒、蘇聯領導人斯大林、烏干達前總統伊迪阿敏、伊拉克前統治者薩達姆等等。《Avengers: Infinity War》的Thanos明顯是自大狂妄而橫行無忌的偏執狂，就像經典港劇《大時代》裡的丁蟹一角，對於自己的所作所為總有自己的想法。從另一個角度來看，他行動的出發點又是有跡可循。相較於漫威過去的反派，Thanos的殘暴不仁確實有著不一樣的註解，可以為了達到目的而不擇手段地犧牲宇宙中一半的生命。從原著漫畫中純粹是為了取悅死亡女神的理由，改變成為了完成平衡宇宙的使命。導演Russo兄弟的改編不但把反派塑造得更有血有肉，還很貼切地反映了大螢幕外的真實現況——地球正在面臨嚴重危機。當地球上的人口愈來愈多的時候，這片土地顯然已無法負荷都市人口增長的需求。天性貪婪的人類對日漸減少的資源，產生更多永無止境的需求，甚至還將自己的所作所為視為合理化。當地球因為資源枯竭而爆發末日危機以前，沒有人能逃避現實的責任。人類對地球的破壞才會創造出Thanos的恐懼，我們是時候反思和檢視自己的生活方式，盡一己之力來守護地球。

Ready Player One

They called our generation The Missing Millions. Missing not because we went anywhere, there’s nowhere left to go. Nowhere, except The Oasis. It’s the only place that feels like I mean anything. A world where the limits of reality are your own imagination.

同樣是以電玩遊戲作為故事背景，《Ready Player One》不禁讓人聯想2012年上映的迪斯尼動作片《Wreck-It Ralph》。兩個故事都是以第一人稱的視角去進行敘事，並且在電玩遊戲的冒險旅途中尋找自我價值。最大的差別在於前者以真人和玩家化身兩個看似重疊卻又獨立的角色，分成兩條故事線交叉進行，並且虛擬與真實之間切換，使得整個故事和主題更加豐富、緊湊和熱血。一流的視覺和音響效果給人強大的衝擊力，將遊戲世界的影像以立體的方式呈現在眼前，讓人無需再透過想像，即能直接感受到那種似夢非夢的虛擬實境。與此同時，《Ready Player One》很大程度地滿足了許多癡迷於80年代流行文化的動漫迷和電玩迷，讓我們自行在鏡頭裡挖掘許多的驚喜和彩蛋。這包括機動戰士鋼彈、Iron Giant、Ninja Turtles、Street Fighter、Deathstroke、Tomb Raider、Mass Effect、RoboCop、King Kong、Batman、Joker & Harley Quinn、Army of Darkness、Mortal Kombat、Hello Kitty等等，令人振奮！

《Ready Player One》改編自美國作家Ernest Cline的同名暢銷小說，曾榮獲2011年亞馬遜網路書店科幻或奇幻類年度最佳小說、美國圖書館協會艾力克斯獎、哈德遜書店2011年度最佳小說、邦諾書店2011年科幻類年度最佳小說等獎項。奧斯卡金牌導演Steven Spielberg對這本書給了這樣的評價：「這個故事展現了為什麼人們會不想活在現實世界，卻也同時呈現我們會因此失去什麼。它具有強烈的警世意味，也是一個精采刺激的冒險故事！」回歸到科幻冒險類型電影的導演Steven Spielberg，這次連同參與電影劇本製作的原著作者Ernest Cline，引領觀眾進入電玩的虛擬實境宇宙，展現了自己寶刀未老的導演功力。在導演Steven Spielberg的精心製作和改編下，被搬上大螢幕的電影版《Ready Player One》成為票房與口碑兼具的科幻巨作，全球票房在首周末就已破1億8000萬美元。著重在80年代流行文化的電影不但順理成章地抓住了老影迷的心，也成功地吸引到了年輕觀眾和電玩玩家的眼球。

電影版《Ready Player One》的故事設定在2045年：一個距離現在不遠的近未來世界。鏡頭裡的現實世界仍舊是我們所熟悉的地方和環境。這個近未來是由許多熟悉的回憶和影像所堆積出來的世界。未來人類沈醉於其中的遊戲、電影、音樂都是來自80年代的產物；譬如《Back To Future》、《Mad Max》、《Saturday Night Fever》、Duran Duran、Joan Jett & The Blackhearts、Van Halen、Tears for Fear等等。這些超越前衛的藝術風格在任何時代，都是一種歷久不衰的流行文化。只是那個時代的世界已經歷過變遷，正面臨著混亂崩壞及糧食短缺。倖存的人類透過Virtual Reality (VR)進入由電玩設計師James Halliday所創造的「Oasis」虛擬世界中尋找慰藉。「Oasis」就像沙漠中的綠洲，讓玩家在戴上宛如面具的VR眼鏡設備以後，能夠隨心所欲地扮演任何一個角色，希望在新領域中大展身手，將自己偽裝成為別人眼中最好的自己。未來人類對電玩中的虛擬實境，已從最初的沈溺演變成最終的依賴，他們已全然生活在一個看似沒有恐懼和悲劇的烏托邦。

《Ready Player One》裡處處隱藏著許多令人驚喜的彩蛋，並且完美地結合了80至90年代的電玩遊戲、電影、音樂、動漫等等流行文化，建構出積極魅力的虛擬實境。當電影中的角色們在尋找埋藏在遊戲裡的彩蛋時，螢幕外的觀眾也在找尋那些如曇花般驚喜現身的影像、旋律和畫面等等，娛樂性十足。其中，佔據篇幅最大的莫過於1980年上映的經典恐怖電影《The Shining》。這部電影在當年的口碑兩極化，連原著作家Stephen King也不滿意電影的改編。然而，此片仍舊被全球各大電影網站票選為電影史上最恐怖的電影前十部作品。導演Steven Spielberg在《Ready Player One》裡，使用最先進的技術將許多驚悚場景和恐怖橋段，逼真地還原和重現在大螢幕上；例如Overlook Hotel大廳、黃色小球、孿生姊妹、湧出血海的電梯、237號房、斧頭、迷宮等等，都是許多人童年時的夢魘。影片最後的舊照片是Stanley Kubrick留下的疑團，在Steven Spielberg的解讀下，這個疑點可能是為了誤導觀眾所留下的工具，或隱瞞其他線索的線索。

《Ready Player One》的雙線故事集中、圍繞在一個叫做Wade Watts的平凡少年，以及他在Oasis虛擬世界裡所扮演的角色Parzival。籍籍無名的他居一直居住在Columbus的貧民窟裡，就像Peter Parker在現實生活中只是一名普通的高中生，唯有在穿上蜘蛛俠戰衣和戴上面具以後，才敢向社會公開展示自己。Wade Watts選用Parzival的初衷是逃避現實生活的束縛和無奈，卻在Oasis中意外地破解了James Halliday的闖關密碼，歷史性地榮獲第一隻鑰匙。從此，Parzival便被玩家們追捧為英雄。電影名字「Ready Player One」其實就是傳統電玩在遊戲開始前顯示在螢幕上的一行字，提示玩家們冒險遊戲即將開始，而這個故事是屬於Wade的冒險故事。在經過一次又一次的闖關之後，無論是現實中的Wade和虛擬世界裡的Parzival都完成了生命中的一次自我成長，學會了堅強不屈地面對生活中的挫折和失敗。人生就像一個機關重重的賽車跑道，不應該在King Kong的阻攔下輕易認輸，因為無可避免的失敗證明了你曾有跨出一步的冒險精神，讓我們能夠在團隊合作下更接近成功的目標。

虛擬實境「Oasis」這個人人身心嚮往的烏托邦，是人類的未來。它在後末日時代確實徹底地改變了許多人的生活，同時也改變了Wade的gunter人生。這個地方是遊戲創始人James Halliday想要逃離現實而創造的幻想之家，更是他的童心的歸屬。換句話說，未來世界的所有人類其實一直以來都沈浸在Halliday的夢幻之中，潛移默化地將他的迷戀變成自己的喜好，將大部分時間投入在他身前最愛的東西：看他喜歡的電影、聽他喜歡的歌曲、玩他喜歡的遊戲、閱歷他的人生，並從中尋獲自己的樂趣。在現實中，這樣的行徑就像是對某種事物產生盲目的崇拜和信仰——Halliday在後末日世界中成為了人人口中的全能之神Anorak。在某種程度上來看，Halliday其實才是隱藏在這個故事背後真正的核心人物，也是促成故事始末的主導者。直到死亡來臨，一直活在自我世界的Halliday才懂得重新審思自己的人生。於是，他在「綠洲」裡的其中三個遊戲關卡中埋藏了能夠打開三道魔法之門的三把鑰匙，讓尋找彩蛋的玩家在尋寶遊戲的過程中，領悟到他想要告訴所有玩家的人生感悟及想法。

I created the OASIS because I never felt at home in the real world. I didn't know how to connect with the people there. I was afraid, for all of my life, right up until I knew it was ending. That was when I realized, as terrifying and painful as reality can be, it's also the only place where you can find true happiness. Because reality is real.

Halliday所設計的第一個遊戲關卡是賽車比賽。當自由女神像噴出煙火時，所有賽車手都會習慣性地猛踩油門往前衝到終點。玩家需要與時間競賽之餘，還要在跑道內躲避重重障礙。偏偏不按常理出牌的Halliday卻在起跑線後面建設了一條不尋常的跑道，需要猛踩油門往後倒退，就能避開所有障礙直達終點。討厭墨守成規的人往往會被人詆毀成離經叛道的異見派，盲目地跟風反倒會失去自我。想要突破重圍，就不應該為自己設定限制，應該要勇敢而機智地挑戰冒險。第二個遊戲關卡是以《Shining》做煙幕彈的「與喪屍跳舞」。年輕時的Halliday曾與暗戀對象約會過一次，奈何懦弱膽小的個性讓兩人的戀情止步於那一晚，錯過了一段愛情使他的人生留下深深的遺憾。Halliday想透過遊戲告誡年輕人要懂得把握時間和機會，讓自己克服自己的恐懼、勇敢地踏出第一步，別讓後悔成為人生未來的絆腳石。第三個遊戲關卡是現代遊戲機始祖Atari所設計的經典遊戲「Adventure」，也是歷史上第一個將Easter Egg隱藏在遊戲裡的電玩。這個遊戲背後的真正意義是玩家不需要太在意輸贏，而是應該出於內在動機去做一件事，在遊戲裡體驗某種累積的經驗，並且享受其中。

事實上，Halliday在三個遊戲關卡之後還設計了一個為贏家準備的終極考驗。Wade在簽署協議書的那一刻，便洞察了這個考驗背後所隱藏的線索：Halliday對於一生摯友Morrow的愧疚才是他人生中最大的遺憾，也是整個冒險旅程的最後關鍵。倘若沒有摯友兼合夥人Morrow的配合與支持，Halliday也未必能將「Oasis」改變成每個人的生活方式。其實人的一生從小事到大事，每一步都需要別人的幫助。從來沒有人可以獨自面對一切，或者單靠自己的力量去完成所有項目。尋找同伴就像口渴了要喝水一樣，是合群生物的自然表現。套一句老話：家人、友人和情人永遠都是每個生命中最重要的角色。無論是現實生活或是虛擬實境中，跟不同的人在一起才能顯現出自己存在的價值和意義。最終，虛幻的Anorak選擇變回真實的Halliday，永遠地存活在自己的遊戲宇宙中。儘管遊戲世界十分精彩，人們也不應該過度沈迷於虛擬的空間裡，而抽離了真實世界中身邊的事物，漠視人與人溝通共處的重要性。遊戲game over了可以重新開始，但是人生無法重來，因此更要好好地把握生命的每分每秒，在充滿冒險和挑戰的現實生活裡探索和體驗生命的美好、意義和價值。

《Ready Player One》毫無疑問是本年度最備受推薦和最具話題性的代表作，成功地結合了藝術和商業兩種屬性的佳作，更是開創了一個新的潮流，讓觀眾能夠享受到電影和遊戲極致而完美地結合在一起的體驗，幾乎能夠滿足所有觀眾，讓人看上癮。

大大噠 Think Big Big

每次扭開電視機、瞄到本地電視頻道播映的本地電視劇，聽到本地影星字正腔圓地唸著台詞就會感覺有點怪怪的。身為一個馬來西亞人，講著一口混雜的Rojak語言，反而是一種習慣，讓人有一種歸屬感。青元導演在自己的作品裡，從不刻意地讓角色們說著你我最熟悉的語言，保留了日常生活中最自然的情感交流。語言是人類與生俱來的本能；當大家在使用相同的語言進行溝通時，彼此之間的距離便會拉近，逐漸形成一種歸屬感。那些在別人耳中的古怪語言，就是馬來西亞的特色，也是我們最親切的表達方式。這就是《大大噠》的語言。

來自柔佛Batu Pahat的周青元導演，在拍攝了《大日子》、《天天好天》、《一路有你》之後，已經累積了一定的導演功力和經驗。由真實事件改編的《Ola Bola》，比起他的前三部作品，更顯得成熟與大氣。除了在大馬創下傲人的票房成績以外，還是首部獲邀參加臺灣金馬奇幻影展的馬來西亞電影，讓更多臺灣觀眾有機會看到馬來西亞作品；主題曲《Arena Cahaya》還一舉摘下第53屆金馬獎的「最佳原創電影歌曲」。相隔兩年以後，導演回歸自己最擅長的關於市井小民的小故事，用大家的共同語言講著馬來西亞的本土故事《大大噠》。

從第一部作品到今年的《大大噠》，導演每一次都使用了鏡頭拍攝馬來西亞最美麗的一道風景，讓觀眾看到馬來西亞的另一面。外國的月亮不一定特別圓，唯有很喜歡自己國家的導演，才能一次又一次地為觀眾呈現大馬的隱藏版世外桃源，為我們證實馬來西亞其實還有很多很漂亮的地方，值得大家去關注和欣賞。這一次的《大大噠》，導演便將鏡頭對準了吉隆坡的城市美和森美蘭州的鄉村美。如將森美蘭州的Bukit Pelandok和雪蘭莪州的Sungai Pelek新村分割成兩地的雪邦河；位於Bukit Pelandok並且建造在河水上的「百吉の軒」；芙蓉中華獨中的天文台；以及雙威水上樂園等等。

慣用素人做演員的導演，這次依然選用了與觀眾素未謀面的素人演員，增加了自然 的親切感。另外，電影還找來了首次參與電影演出和第一次擔任女主角的Astro國際華裔小姐冠軍林宣妤、在大螢幕上擁有新鮮面孔的呂揚，以及在螢幕中擔當小角色的My FM和Astro一眾藝人，一起拼湊出大馬庶民的日常生活面貌。那就是一個不分語言和膚色、跨越了族群障礙的的熟悉之境，每個人臉上都流露出最真實與真摯的自然表情，從而產生了共鳴感。這使得觀眾更快地投入在一個來自鄉村的小女生想要在大城市追求夢想的故事之中，與她一起經歷成長所要經歷的酸甜苦辣鹹。

每一個人在成長的階段中，總會不斷地尋找自我的價值。《大大噠》使用了120公斤、90公斤和50公斤的三個演員，去表現胖妹變女神的成長過程中的三個心境變化和轉淚點。這種「5毛錢」特效會使觀眾需要不斷地重新認識和接受一個角色在三個演員中切換的突兀感，卻能夠表現出特技效果無法製造出來的真實感。在成長的人生旅途中，親情、友情和愛情等美好的人際關係是一座橋樑。這座橋能夠指引你走向正確的方向，因此一旦破裂就得修補。這段旅程的終點其實並非是重點，而是從死胡同中勇敢地找出自己的出口。

社交媒體上的「讚」、「標籤」和「follower」只是一組沒有太大意義的數字，就像是被困在一個沒有出口的虛擬世界裡。一個人要是太在意別人的看法和批評，為了迎合別人的要求而盲目地變更自己，只會永遠地生活在別人的框架裡，任由別人的束縛自己。那麼你已不是原來的你了。一旦他人否定你，你便會輕易被其他角色給取代。接納一個不完美的自己，才能讓自己在鏡中看見最真實和開心的自我。一個真正認識自己和懂得認可自我價值的人，才能有一段可以展翅高飛的自由和快樂人生。

Black Panther

You cannot let your father's actions define your life. You get to decide what kind of king you want to be.

此片是2018年第一部上映的超級英雄電影，也是漫威電影宇宙系列的第18部作品，更是《Avengers: Infinity War》在集結所有超級英雄前的最後一部漫威超級英雄獨立電影。「Black Panther」是首個美國主流漫畫裡的非諷刺黑人英雄，也是漫威電影宇宙系列目前唯一一部以黑人為主角的超級英雄。根據電影網站Fandango的調查，《Black Panther》被評選為2018年度最值得期待的電影之一，預售紀錄更是打破了所有超級英雄電影的紀錄，在美國和加拿大的首兩日票房已近1億美元；電影大熱的程度可見一斑。除了票房大賣之外，此片在Rotten Tomatoes及IMdb兩大電影網站上分別獲得了97%及7.9/10的高分成績。

Black Panther是由漫威之父Stan Lee及漫畫家Jack Kirby聯手創造的首個黑人超級英雄，首次登場於《Fantastic Four》第52期。黑豹是來自漫畫中所虛構的非洲國家Wakanda對國家首領的傳統稱呼，更是守護非洲各部落的領袖稱號。Wakanda的第一任黑豹為T'Chaka，在位期間曾有隕星墜落在國家境內，並帶來了大量的Vibranium，使國家成為一個隱藏於世的高科技國家。根據原著漫畫的設定，探險家Ulysses Klaw發現它的存在後，竊取了Vibranium製造武器。當東窗事發時，Ulysses Klaw殺害了T'Chaka，兒子T' Challa臨危受命成為新的國王。現任黑豹在英雄內戰期間與「X-Men」的Storm成婚，隨後兩夫妻也曾短暫加入「Fantastic Four」。

好評如潮的《Black Panther》，其實沒有太高低起伏的劇情和緊湊的節奏，甚至稍微有點嚴肅和正經。然而，它在白人至上主義為主的漫威電影宇宙中卻是一個拔萃出類。此片是不折不扣的黑人電影。無論是片中的主角Black Panther或是戲外的Chadwick Boseman，都是非洲裔黑人。片中的其他角色清一色都是由黑人演員飾演，包括曾奪下奧斯卡最佳女配角的Lupita Nyong'o及奧斯卡影帝Forest Whitaker。主要的兩位白人演員在片中僅是輔助劇情走向的配角。曾執導過兩部黑人電影佳片的黑人導演Ryan Coogler，展現出了品質保證的導演功夫，又把代表美國黑人文化的嘻哈音樂和饒舌插曲加入電影中，豐富了整體的動感和律動。

《Black Panther》像是一部生動有趣的故事性紀錄片，導演和編劇鉅細靡遺地讓觀眾透過Wakanda和黑豹，一起去深入瞭解一個既熟悉又陌生的神秘國度，包括國家的治國理念、文化傳統、科技創新等等，都完整地呈現在螢幕上。曝光在鏡頭中的Wakanda就是一個隱藏在熱帶雨林中的烏托邦。它擁有波瀾壯闊和氣勢滂礡的場景，甚至比紐約還要更先進和發達，完全擺脫了非洲國家予人貧窮和落後的刻板印象。然而，電影沒有一味地賣弄科技，反而把許多民族文化傳統保留了下來。從各部落身上的傳統服裝、紋身、圖騰和裝飾，都散發著濃厚的非洲文化元素。在瀑布競技場上舉行的傳統格鬥和登基儀式，令人大開眼界。作曲家Ludwig Göransson利用非洲傳統打擊樂器敲打出動人心魄的配樂，完美地加強了故事情節的感染力。

《Black Panther》雖稱不上是最優秀的電影，卻是一部破格的超級英雄電影，而且劇情會讓人不期然地聯想起經典的《The Lion King》。故事中的Black Panther是王者風範和英雄主義兩者兼具；Nakia和Okoye則是現代女性主義抬頭的象徵；在西方資本主義盛行之下，原本處於弱勢族群的黑人反而燃起了「非洲未來主義」的意識。非洲主義和種族平等就是隱藏在故事背後的其中兩個核心議題，增加了電影的深度。黑與白、落後與先進、貧窮與富裕，都不一定是建立在對立的關係。從歷史的角度看來，西方強國的發達其實就建立在其他發展中國家的基礎上，前者卻自以為是地認為自己始終強大，導致忽略了後來居上的其他國家。Wakanda的出現狠狠地賞了西方列強一記巴掌。人類的歧視其實是內心潛在的無知。

在這個隱世的國度裡，國王候選人必須被奪去心型草給予的特殊能力，去接受來自每個部落的挑戰者的挑戰，證明自己的力量和勇氣。這是文明民主國家的典範；每個種族或是每一個人都應該有相對平等的權利。反派角色Erik Killmonger一心想要報復的理由，恰好能夠讓T' Challa發現到國家政策的弊端，從而及時對國家政策重新審視和進行改善，最終還主動將Wakanda研發的科技分享給聯合國，實踐了國際間的相互幫助。這是開明君主應有的作為；凡事也應以人民的利益為先。就某個意義來說，Wakanda確實成為了人們憧憬的烏托邦，亦是未來世界的希望。Black Panther雖不是萬能的神，卻是希望的象徵，而希望就是通往未來的火炬，為人們帶來繼續生活的理由。

The future belongs to those who believe in the beauty of their dreams. 

～Eleanor Roosevelt